Música Contemporânea

João Viana – Expandindo o legado

2012-01-30T08:36:00.000-08:00

Independente de ser filho de Djavan, o que percebemos ao ouvir esse músico de nome próprio João, e segundo nome Viana – reitero o nome devido à magnitude de seu tocar – é uma música singular e de identidade própria.

Atuando desde 1994, João Viana é um grande instrumentista brasileiro que vem amadurecendo dia a dia, depois de já ter participado de trabalhos com grandes nomes da música brasileira e do mundo, no estúdio e em shows, como Cássia Eller, Pedro Mariano, Nando Reis, Leila Pinheiro, Djavan, Fábio Júnior, Max Viana, Moska, Monique Kessous, Francisca Valenzuela, e muitos outros.

Conversei com ele durante sua passagem por São Paulo, na turnê em companhia de Paulinho Moska, que não por acaso o recrutou como baterista. Através desta turnê, João mostra todo seu trato linguístico de tocar. É sempre uma surpresa cada vez que o vemos no palco com sua Yamaha. É um repertório de ideias, viradas, dinâmicas, intensidades, que com simplicidade, sempre somam a música. E na música, como na conversa, cada "comunicação" acrescenta à outra.

Durante o show de turnê do CD “Muito Pouco” de Moska, João Viana consegue mais uma vez mostrar o bom gosto musical e escolha dos timbres de sua bateria. Tem a sabedoria em orquestrar seus arranjos – sempre se afinando aos arranjos do grupo – para impulsionar fôlego e vigor para as músicas, provando que um show é um encontro.

-- Como foi seu começo na bateria?

O meu interesse pela bateria começou de modo bem parecido com o de todos os bateras que a gente conhece por aí, batucando em panelas, na mesa, quando eu tinha uns 7, 8 anos. Quando eu tinha 9 anos, meu irmão mais velho, Max Viana, montou uma banda (a primeira banda dele) chamada Mitra, uma banda de rock, no Rio de Janeiro. Eles ensaiavam em casa. E a bateria ficava montada lá. Uma “Pinguim” cheia de pratos, com um “Paiste” vermelho! Eu ficava impressionado, maluco com aquilo. Foi ali que eu comecei a sentar na bateria e já fazer algumas levadinhas, tudo de ouvido. Mas eu só fui ganhar a minha primeira bateria aos 12 anos. Foi aí que comecei a ter aulas com o Carlos Bala. E fiquei tendo aulas com ele por muito tempo, mas sempre no esquema de uma vez por mês, pois na época, os artistas faziam turnês gigantescas e, além disso, quando ele estava no Rio ele tinha milhões de gravações. De vez em quando conseguia ter aulas quinzenalmente. Era sempre muito proveitoso. Toda a minha base está ali naquelas aulas que tive com ele. Eu lembro que às vezes a gente nem sentava na bateria. Ele me contava histórias de gravações, de como solucionou algumas situações na estrada. Ele fazia eu me dedicar aos estudos na borracha, passava pelos exercícios técnicos obrigatórios, rudimentos. Mas na época eu era apaixonado por futebol, tudo que eu queria era jogar bola. Eu ia para aula dele já com a chuteira e o meião na bolsa. E muitas vezes ele me dava aquele puxão de orelha: “Pô, João, concentra aqui na aula, sei que você está louco pra ir jogar bola.” Eu vivia na dividida entre essas duas paixões, mas graças a Deus a bateria é que falou mais forte.

-- Ainda sobre o Carlos Bala, o que ele mudou na sua maneira de pensar a bateria e no seu jeito de tocar?

O leque de opções e ensinamentos que o Bala me deu, foram a disciplina e o profissionalismo. Tecnicamente falando, sempre buscar o melhor timbre, tocar sempre da forma mais relaxada, dar o mínimo de esforço ao corpo, e conseguir fazer as coisas soarem bem. Ele é um mestre pra mim, um mestre para todos nós. Sem contar as aulas, só de ver ele tocando ou gravando já era um grande aprendizado; Ficar de olho nos shows, gravações, na época que ele tocava com meu pai. Eu ficava de olho nele o dia inteiro, aquela coisa de pupilo mesmo. Então acho que na minha forma de tocar é inegável que tenha ali contida várias informações que eu peguei com ele. Tenho essa influência forte dele, mas por outro lado ele sempre me orientou a procurar a minha marca, a minha assinatura, e hoje eu posso te afirmar que a maior dádiva que um músico pode ter é ter a sua assinatura, é aquela coisa de você ouvir a música no rádio e saber quem está tocando. Isso não tem preço, porque milhões de outras coisas estão aí para quem quiser, como por exemplo a técnica; O cara pode ficar cinco horas por dia e ter uma super velocidade, com um domínio absurdo. Não existe dom para a técnica, existe dedicação. Mas para você ter a sua assinatura, é aí que vem o diferencial. A minha maior busca está aí, em achar uma assinatura. O maior elogio que você pode me fazer é você virar pra mim e me dizer que ouviu um negócio que é a "sua cara", que deixou sua marca ali naquela música. Num mundo lotado de músicos talentosos, o diferencial está em você ter esse diferencial.

-- E você estuda ou estudou muitas horas por dia?

Sim. Realmente eu tive uma rotina de estudos bem intensa. Eu abdiquei de muita coisa para ficar madrugada adentro estudando, pesquisando muito, fazendo o que todo mundo tem que saber em determinado momento da vida. Alguns fazem pra sempre, conseguem manter essa rotina. Hoje eu não consigo manter uma rotina fixa de estudos, mas hoje o meu estudo é voltado mais para pesquisas do que para rudimentos, caixa… Eu não consigo mais ter essa disciplina. Até porque agora, morando em apartamento, não tenho bateria em casa. Para manter o contato com a bateria é só na estrada, quando vou dar aula, ou no estúdio. Por isso eu procuro chegar antes na passagem de som em shows, para assim eu ter algum contato com o instrumento. Mas constantemente eu pesquiso muito os bateristas, as novidades de equipamentos, timbres, etc.

-- Como foi a relação com seu pai nesse aprendizado? Como foi quando gravou o primeiro disco com ele?

É evidente, não dá para negar, que um dia, se tudo corresse bem eu iria tocar com meu pai. Só que foi muito importante para mim, ter passado por outros artistas antes. Isso me deu uma base muito boa e mais segurança quando eu cheguei para tocar com meu pai, na primeira turnê, do CD Milagreiro. Na época, a Cássia Eller tinha acabado de falecer e eu ainda estava muito mexido com aquilo, a Cássia foi um marco na minha vida. O início das gravações foi um pouco complicado, pela questão de duas formas diferentes de trabalhar. A Cássia gostava de deixar a coisa bem solta, e o Djavan gosta de deixar tudo bem mais amarrado. Meu pai aplica aquela coisa de que menos é mais. Você consegue perceber uma diferença bem grande entre o primeiro disco que eu gravei com ele, até o último, o disco “Matizes”. No início ele me transformou num executor. No “Matizes” eu pude realmente experimentar várias coisas, influenciar a música. Meu pai é um artista com quem todo mundo quer tocar. E eu sendo filho, não é diferente. Eu, nesse caso, antes de ser filho, sou músico. E como músico, eu ouço aquilo tudo e falo “Que som! Quero tocar também esse som”. Mas tudo veio na hora certa, depois de eu ter tido uma boa experiência com outros artistas.

-- Além da questão da bateria, como funcionou essa relação musical com o Djavan no seu crescimento como músico e pessoa?

Sempre ouvia muita música, fui muito eclético. Sempre prestei atenção nele tocando violão. Sempre fiz questão de ir aos estúdios, observar, ver como as pessoas entendiam a música dele. Sempre conversei muito com ele, e tudo isso facilitou muito, me dando vivência musical.

-- Me parece que estar na banda de Cássia Eller era como estar numa família. Quais são suas lembranças dessa fase?

Era uma banda mesmo. A Cássia era como se fosse a vocalista da banda. Não tinha aquelas coisas de praxe de artista, como por exemplo, um carro ou um camarim pra banda e outro carro e outro camarim para o artista. Ela nunca gostou disso. Ela queria estar junto de todos, ir à praia, jogar baralho. Ela sempre foi muito ‘família’, ao mesmo tempo mãezona, filha, irmã, amiga, enfim, uma pessoa sensacional, uma artista fenomenal, hiper musical. Ela gostava muito de música. Nas passagens de som, ela tocava baixo, bateria… Só tenho lembranças maravilhosas de shows, momentos no palco, como olhares, coisas íntimas, de sintonia, coisas únicas, que aconteciam com freqüência entre nós. Nós conseguimos uma química muito forte.

-- Quais são suas maiores influências na música e na bateria?

A primeira resposta que me vem à cabeça é Beatles. Na década da existência da banda, eles conseguiram adiantar muitas tendências que estariam por vir. É como se já tivessem apresentado uma novidade que estaria por vir, só que anos e anos antes. Novidades em termos melódicos, em termos harmônicos, por mais simples que fossem; Os ritmos: O Ringo Starr era um baterista moderníssimo para a época. Fazia levadas totalmente imprevisíveis.
Além disso, a MPB, que vivenciei muito, por ter visto nossos grandes mestres de perto, pela convivência deles com meu pai; A música africana, a música americana, inglesa. Em casa, na época do vinil, meu pai sempre ouviu de tudo um pouco. Eu também ouvi muito rock, gosto muito de rock’n’ roll. É uma grande influência pra mim. Talvez seja o tipo de música que mais me contagia – não exatamente a que mais gosto – mas a que mais me contagia.
Quanto aos bateras, gosto de A a Z. De diferente, dos bateristas que estão me influenciando hoje, tem os bateras de gospel dos EUA, Eric Moore, Aaron Spears, Tony Royster Jr. – embora caberia uma crítica, de que eles tocam mais ou menos igual. Mas eu tenho gostado muito do Eric Harland, batera de Jazz, Karim Ziad, baterista árabe excepcional, ultradiferente, e Jojo Mayer. Sempre vou gostar dos mestres, como Vinnie Colaiuta, Steve Gadd, Omar Hakim, Marcus Baylor, Will Kennedy do Yellowjackets. Aqui no Brasil, Carlos Bala, Márcio Bahia, Téo Lima, Cesinha. Cesinha é um batera essencial na minha carreira, por tudo o que ele já me disse, por ter estado presente nos shows que ele fez desde a época com o Caetano, Marisa Monte, agora com a Vanessa da Mata. Tudo o que ele fez eu acompanhei. Ele é um cara que sempre me ajudou e incentivou, que tem uma linguagem que gosto muito, e que aplica muito bem essa linguagem da simplicidade, de tocar para a música, com precisão, com som bom. Tem também o Pupilo, que é um cara fantástico. É muito bom ter um cara como ele na nossa música. Tem o Edu Ribeiro, Cássio Cunha. O Brasil está muito bem servido. E eu não me influencio só pelos bateras não. Ouço os baixistas, pianistas, que você pode aproveitar uma melodia, para criar um fraseado, para recriar uma melodia.

-- O seu tempo musical tem uma coisa única e precisa, que passa para quem ouve uma elegância ao tocar e um grande controle do que está fazendo. Qual é o segredo para manter essa constância de "respiração" musical, nessa quase fusionalidade com o tempo? Você usa aquele tipo de recurso de olhar para os próprios movimentos do corpo para conseguir “estar” no tempo?

Isso é um recurso muito bom para você pensar no andamento, para conseguir manter um padrão. Porque ninguém é máquina. Ou você toca com o click, ou você vai ter que respeitar o fato de que você não é uma máquina, e que vai ter uma pequena oscilação na música, o que é super bem vindo, pois a música não nasceu para ser estática. A música nasceu para evoluir junto com a canção, evoluir dentro dela mesma. Ou seja, você vai para o refrão, a coisa anda um pouquinho, depois você volta... Você tem uma dinâmica, e depois vai tudo lá “embaixo”... É inevitável e bem vindo que de repente o andamento caia um “pontinho”, dois “pontinhos”, e se não for nada grotesco, é bem vindo para a música. E aquela coisa que após tocar tanto tempo com click, em turnês com loops, eletrônicos, etc., estou gostando muito de identificar isso, de como é prazeroso quando isso acontece com a música. Mas para você manter um padrão, independente do click, tem uma coisa que aprendi com um amigo meu que é memorizar o tempo de uma nota para outra, como por exemplo, qual é a distância do bumbo para chegar à nota da caixa. Se você prestar atenção, você começa a memorizar e interiorizar o tempo de duração de uma nota pra outra. E olhando para seus próprios movimentos, você consegue perceber se está mais rápido no contratempo do que estava antes, por exemplo. Isso é um bom exercício, começar a prestar bastante atenção nisso. Isso te dá uma boa noção de andamento, relaxamento. E o andamento tem a ver com o estar relaxado também. Se você está todo tenso a tendência é correr, oscilar muito. Então quanto mais relaxado você toca, acho que facilita em tudo, A bateria é um instrumento muito braçal, então tem que haver uma economia nos movimentos.

-- Ainda olhando para este horizonte, o diferencial de energia que você usa ao tocar, com uma certa plasticidade de 'movimentos', é uma das coisas que faz criar um alto-relevo de sua singularidade?

Acho que sim, mas acho que mais do que isso, tem a ver com uma questão de personalidade. Sou um cara calmo. A gente é o que a gente toca, a gente toca o que a gente é. Então eu procuro usar essa calma na hora de tocar. Mas não foi sempre assim. Já fui um baterista ansioso, que queria tocar todas as notas. Mas eu descobri cedo que o que mais importa é a música. A gente não pode querer ganhar da música. Músico nenhum pode querer ganhar da música. Você está a serviço dela, e não ela que está a seu serviço.

-- Quais são os critérios que você utiliza para a escolha e variação de timbres do seu kit, dependendo de qual gig você vai estar?

Como eu não consigo mais ter uma rotina de estudos, a forma que eu encontrei de tentar me reinventar, foi fazer mudanças, me obrigando a tocar de uma forma diferente em função do kit. Se eu for gravar um disco inteiro de alguém, é muito difícil eu ir da primeira música até a última com a mesma formação. Vou variar os tambores, os pratos, as caixas, as afinações. É uma coisa que me dá prazer. Eu gosto de chegar cedo às passagens de som, quando é um dia que estou a fim de fazer. Eu gosto de mexer. É uma forma de você tocar um pouco diferente em determinada noite, por exemplo. Uma coisa que gosto de fazer é inverter os tambores. A mesma virada que você faz há muito tempo, com essas variações de tambores, já vai fazê-la soar diferente. Eu já vou fazer 20 anos de carreira, então é preciso variar para manter a coisa viva, fresca.

-- Como está sendo o novo trabalho e turnê com o Paulinho Moska?

O Moska é um grande amigo, de longa data, desde a minha adolescência. Ele acompanhou o meu início profissional. Sempre gostei muito do trabalho dele. Estou agora entrando no quarto ano com ele. Gosto muito de sua obra, ele é um artista muito tranqüilo, que dá liberdade para trabalhar. Quer te ouvir, ouvir suas ideias.

-- No show com o Moska, percebi que você consegue acrescentar muito ao som dele e da banda, com seu modo de tocar. Como você cria essa consonância para potencializar e "compor" uma nova orquestração de arranjo com a banda em um show?

Primeiramente, eu escolho coisas que não podem mudar; que aquela música precisa daquela “coisa”. Aí separo essas coisas num grupo. Todo show você vai me ver fazendo aquelas coisas. E deixo e gosto que tenha um espaço para um improviso, uma vez que você já conhece tão bem aquelas músicas, que aí você se dá o direito de acrescentar uma coisa ou outra. Tem dias que não se tem muitas ideias, mas tem dias que estão fervilhando ideias. Cada baterista tem seu conceito. Este é meu conceito. Eu gosto de manter coisas que fazem bem à música. E é ideal saber que os outros músicos que estão tocando com você também tem conceitos parecidos, e vão querer aplicá-los. E aí a coisa começa a fluir de uma forma bem mais tranqüila.

-- Você está gravando um projeto pessoal no momento, certo? Quais as influências e expectativas em relação a ele? Seria um rito de passagem para você?

Estou gravando um disco meu desde 2009. Começou só como um registro de minhas músicas. Não é nada instrumental, é cantado (eu mesmo canto). Em função dos compromissos com os artistas, acaba que fica sempre para depois. E sem apoio, o projeto acaba sendo adiado. O trabalho não tem pretensão de me lançar, não tem pretensão de nada. É para enriquecer minha carreira. Estou gravando a bateria, os violões, as programações. As músicas são minhas com muitas parcerias. Mas, sinceramente, o que eu quero é o disco pronto, não me preocupo com o que virá depois, se terá shows ou não... As influências vêm de tudo que já ouvi e toquei, do rock’n’ roll à bossa nova. Mas nada impediria que no futuro se tornasse meu projeto principal, por exemplo. Não dá para saber. A vida é imprevisível.

-- O que você espera da música no futuro?

Eu procuro ser muito sincero. Está muito ruim. Está ruim não porque existam gêneros musicais que estejam predominando. Tem que ter todo tipo de gênero. Mas tem que ter pra todo mundo. E esse é o problema. Não está tendo para todo mundo. Não está tendo espaço para todos. Eu não quero que o Luan Santana deixe de ganhar milhões e deixe de fazer 25 shows por mês. Quero que ele tenha esse espaço também. O problema é quando ‘ele’ é o resultado da má distribuição de possibilidades dentro da nossa cultura. Isso está ficando insuportável. Por que ele tem que ter este acesso irrestrito, enquanto outros artistas estão numa batalha intensa e não conseguem nem uma agenda fixa de shows? É isso que precisa ser repensado. Se você me perguntar como é que isso pode ser mudado, eu não saberia te dizer, e para ser sincero, não vejo mudança a curto prazo. Se tiver alguma mudança, vai demorar muito tempo, pois o tipo de música que ‘ele’ faz gera muito dinheiro também. Mas a cultura está se perdendo de uma forma geral. Se alguém pega uma música ruim, e a coloca para tocar 40 vezes por dia na rádio, até eu saio cantando. Quando meu filho começa a ouvir isso, eu tenho que redobrar a carga de Beatles, de MPB, o que graças a Deus ele gosta também. Quando você coloca uma música ruim tocando 40 vezes ao dia, aquilo vende horrores. Então porque não fazer isso com música boa também? Vai acontecer o mesmo. Vai haver espaço novamente para os grandes artistas. Coloque música boa 40 vezes ao dia e aquilo vai se refletir em vendas, em shows. O direcionamento da cultura está errado. Em algum momento teremos que refletir sobre isso. A forma como estão lidando com a nossa cultura precisa ser revisada. Tom Jobim deve estar se revirando, se remoendo no túmulo. E isso refletiu muito na minha carreira, na carreira de qualquer músico acompanhante. Eu toco com determinado segmento de artistas que sofreu muito com isso, artistas que sofreram muito com essa baixa na cultura. Ficou ruim para todo mundo.

-- Tem dias na sua vida que você consegue não pensar em música? É possível ser feliz sem música?

Eu procuro às vezes não pensar em música, como qualquer outro profissional, que precisa de um descanso e apreciar outras coisas. Acho saudável. Não acho ser possível viver sem música. O que faz a musica ser o que ela é, é que o ser humano pode passar a vida inteira sem ler um livro, sem ir ao cinema, etc., mas você não vai conhecer ninguém que passe a vida inteira sem música. Mesmo que você não queira, a música vai estar ao seu lado, ela vai passar por você. E a música esta dentro de nós. Todos têm aquela música que traz lembranças. A música faz você ver um filme inteiro na sua frente, faz você se recordar de coisas que estão guardadas lá no fundo. Ela tem esse poder.

.* João Viana agradece à Vic Firth, Soultone, Yamaha e Evans.

Links e Vídeos com João Viana:

http://www.youtube.com/watch?v=bRy24iKS4LA&feature=related – Trechos de músicas do show com Moska – Sesc Pompéia

http://www.youtube.com/watch?v=GjC1aZZtK-U&feature=related – João Viana em estúdio
http://www.youtube.com/watch?v=LriM7tYfsFM&feature=related – João Viana – Túnel do tempo
http://www.youtube.com/watch?v=Y8iQOag5zKg&feature=related - Tributo a Cássia Eller - Maceió-bastidores

http://www.joaoviana.com.br/#!vídeo
http://www.joaoviana.com.br/#!áudio – Prévia do single “Sixteen” do seu primeiro trabalho a ser lançado.

Entrevista - Thiago "Big" Rabello - Rev. Modern Drummer Jan/2012

2012-01-05T04:10:00.000-08:00

Olá pessoal,

A revista Modern Drummer de Janeiro/2012 vem com muitas novidades, entre elas uma entrevista que fiz com o baterista Thiago Big Rabello.

A seguir, um pequeno trecho, e mais informações no link:

http://www.moderndrummer.com.br/?area=materia&colid=6&matid=136

Thiago “Big” Rabello, baterista e produtor, é um daqueles músicos que atravessam as intrincadas “vilas” musicais, fazendo o complexo parecer simples. Através desta entrevista dada à MD, ele prova que para a música soar bonita e complexa, deve haver uma transparente naturalidade nos estudos, gravações e shows. Tudo em sintonia com o resto da banda, com um mix de vínculo musical e pessoal.

Isso é mostrado particularmente nos projetos em que ele está envolvido no momento, que vai desde a bem sucedida gig com a cantora Dani Gurgel, que atravessa um merecido sucesso na cena da boa música, até gravações com artistas que vão de um extremo a outro em termos de estilos musicais.

Essa naturalidade vem de sua descendência musical. Incentivado pelo pai Luiz Rabello, começou a tocar aos 12 anos de idade. Vamos então à simples versatilidade de um músico que torna a bateria contemporânea mais visual e gostosa de seu ouvir.

MD: Olá Thiago, em quais projetos você está envolvido no momento?

Thiago “Big” Rabello: Eu faço de tudo um pouco. Além dos discos da Dani Gurgel, Ana Cañas e Tatiana Parra, também gravei recentemente no disco novo do Pedro Mariano, com quem estou fazendo shows. Gravei o DVD comemorativo de 40 anos do Chitãozinho & Xororó (Nova Geração), Luan Santana, João Bosco e Vinicius. Acabo de gravar o disco do Filipe Catto e estou produzindo, no meu estúdio, um projeto pessoal que se chama "Coletivo Urbano", que é um mix de artistas independentes de vários estilos que moram em São Paulo.

MD: Nos projetos que você atua, há uma grande mistura tanto da música brasileira com o lado jazzístico, como com o pop também. Na composição dos arranjos da bateria, qual é o seu principal papel?

Complementar texturas, criar um ritmo que encabece a organização principal de uma composição, enfim qual o seu grau de envolvimento na criação dos arranjos e da produção final?

Thiago “Big” Rabello: Minha maior preocupação é deixar a música fluir. Toco para a música e para o conjunto, nunca para a bateria em si.

MD: Você tem algum outro estilo musical que já tenha tocado e que gostaria de tocar um dia novamente?

Thiago “Big” Rabello: Meu dia a dia é bem variado. Não tenho um estilo preferido, mas recentemente comecei dois projetos instrumentais, que era algo que não tocava fazia tempo. Um é o trio do Cesar Camargo Mariano, com quem toquei no Goyaz Jazz Festival, em janeiro (2011), e o outro é o disco da Débora Gurgel.

MD: Você acha que a disposição das peças do kit da bateria, como os tons, por exemplo, pode determinar uma melhor performance do baterista, ou o baterista de alto nível deve ter a vocação para tocar em qualquer tipo de kit a qualquer momento?

Thiago “Big” Rabello: Acredito que a postura do baterista e a maneira de montar o kit fazem o rendimento aumentar mil por cento. É muito difícil "dar canjas" e tocar em qualquer kit que não seja o seu – você acaba não rendendo como renderia se estivesse com seu kit.

MD: Polirritmia e ritmos quebrados fazem parte de seu dia a dia. Além de você dar vários dribles com o seu tocar, que ritmos já te deram muitas rasteiras?

Thiago “Big” Rabello: Todo ritmo tem a sua dificuldade. Meu maior desafio é fazer com que todos eles soem simples. A maior rasteira que tomo é quando acerto a técnica, mas não sai natural.

Continua na edição 110 - jan/2012...

video com thiago: http://www.youtube.com/watch?v=VWN48KzdGxY

Adriana Godoy- "Marco" - Resenha

2011-09-15T09:01:00.000-07:00

Não só o nome do novo cd de Adriana Godoy é “Marco”, como todo o enfrentamento musical presente na voz, composições e arranjos do disco também o são.

Disco bom é aquele que dá vontade de sair cantando ou tocando. E é o que acontece com este CD, que traz também Débora Gurgel dividindo a produção. Adriana, citada por Débora como pura emoção, não traz essa vocação por acaso. Filha do maestro e compositor Adylson Godoy e da cantora Silvia Maria, iniciou sua vida musicista estudando piano para depois descobrir seu verdadeiro instrumento, a voz. De lá para cá, desenvolveu sua personalidade artística, trabalhando em projetos com importantes nomes da música brasileira, entre eles, Filó Machado, que também presenteia os ouvintes como convidado neste novo CD.

Adriana, além de ser dona de uma voz que desenha inconfundíveis letras e notas no ar, é extremamente generosa com os músicos que a acompanham, dando liberdade e deixando tocar…

Destaque para as músicas "Outras notícias da Praça Central" e "Vento Bravo"

Links e vídeos:
http://www.myspace.com/adrianagodoy

http://www.adrianagodoy.com.br/

http://www.youtube.com/watch?v=ggG8FY3bBlY - Adriana Godoy - Video Release - CD Marco (EPK)

http://www.youtube.com/watch?v=febyVKeHDUE&feature=related - Preta Porte de Tafeta, Adriana Godoy, lançamento do CD MARCO (julho 2010)

Rodrigo Digão Braz – Improvisando na vida e na música

2011-09-14T10:37:00.000-07:00

Entrevistei Digão pela primeira vez em 2009 para o blog Música Contemporânea. Agora, recentemente, tive a feliz oportunidade de continuidade do papo abrangendo ainda mais a questão da improvisação. Fato que me deixou extremamente contente, pois sem dúvida foi uma das entrevistas mais satisfatórias e emocionantes que já realizei com alguém, pela generosidade, disponibilidade e transparência que o Digão proporcionou ao abrir os calabouços de seus pensamentos de vida e música. Um presente;

Para quem não viu a primeira entrevista ou o que seria a primeira parte de um todo, vai aqui o link:

http://musicocontemporaneo.blogspot.com/2009/05/entrevista-rodrigo-digao-braz.html

Vamos à matéria completa desta “segunda” parte:

Improvisar é algo que não se aprende na escola. Na música, essa lei é ainda mais presente. Rodrigo Digão Braz leva ao pé da letra esse aprendizado (ou não-aprendizado). Baterista e percussionista, tem como projeto principal o grupo "Mente Clara", que traz como base a estética da "Música Universal" de Hermeto Pascoal. É também professor do Conservatório de Tatuí, e já tocou com nomes como Renato Consorte, Ai Yazaki (pianista Japonesa), Michel Leme, Thiago Righi e Fernando Corrêa.

Vamos à entrevista:

-- Música improvisada, para ser notada em toda sua intensidade, tem a singularidade de "dever" ser vista e ouvida ao vivo?

Caro Caio, primeiro quero agradecer mais uma vez pelo convite para essa entrevista e dizer que sua coluna (blog) é de muita valia para o desenvolvimento da música brasileira no Brasil (por incrível que pareça, precisamos desbravar a nossa música em nosso país) e desta para o mundo. Quanto à pergunta, não necessariamente. Mas é claro que sua particularidade vivenciada na hora da criação é uma coisa mágica, trazendo sensações tão peculiares aos ouvintes que talvez em um novo momento não se manifeste. Entretanto, nós músicos – ou meros ouvintes (muitas vezes os melhores ouvintes, pois estes vão para ouvir a música sem nenhum rótulo ou pré conceito) – também somos pesquisadores, e sua análise posterior (no caso, de uma gravação) é muito válida para entendermos os caminhos que grandes compositores e improvisadores estão "trilhando" dentro da música apresentada.

-- Como foi a trajetória musical em sua vida?

Eu comecei tocando piano (fui obrigado, felizmente, pela minha mãe, Dona Lourdes ou Lurdinha). Também fiz aulas de violão, mas os estudos de música começaram a ficar sérios aos 15 anos, quando ingressei no curso de Música da Fundação das Artes de São Caetano do Sul, agora tocando bateria. O fato engraçado é que mesmo na Fundação, eu ainda estava sendo obrigado a estudar música, pois nesse período eu tinha como meta na minha formação profissional a engenharia – nesta fase, eu estudava Mecatrônica em um colégio técnico. Com 17 anos eu tive a minha decisão, optando por essa arte que faz de mim uma pessoa mais feliz e ao mesmo tempo me demonstra sabedoria para o meu autoconhecimento. Desde então, meus projetos musicais foram voltados para o desenvolvimento da criação (música própria), e tudo isso conciliado com trabalhos com cantores e artistas em geral. Aos 20 anos, cursando meu último ano de Fundação, fui para o Conservatório Dramático Carlos de Campos Tatuí, onde estudei por um ano e meio, e desde 2001 leciono no curso de Bateria e Percussão Complementar.

-- Quais são seus projetos atuais?

Meus projetos atuais: Tenho um grupo, que já tem 11 anos, chamado Mente Clara, com dois discos gravados, o homônimo Mente Clara e São Benedito; O Trio Paulista. Este foi devido a uma necessidade de espaço, já que é base do grupo Mente Clara, com Franco Lorenzon e Fábio Leal. Inclusive estamos com um projeto chamado ‘Trio Paulista Convida’, uma vez por mês na casa Jazz nos Fundos, em São Paulo, onde tivemos na primeira noite o conceituado Fernando Corrêa (Guitarra) e ainda teremos André Marques (Piano) em outubro de 2011 e Fábio Torres (piano) em novembro de 2011; Outro trabalho interessante é um trio que tenho com Hercules Gomes (Piano) e Rafael Abdalla (Baixo acústico) com composições de todos os integrantes. Nesse repertório, apresento composições minhas, inéditas, e alguns arranjos de Standards de jazz. Dentro disso, também tenho feito trabalhos bem interessantes como instrumentista, a exemplo da cantora Nanny Soul, com arranjos e direção musical de um grande amigo e ótimo músico Paulio Celé, uma cantora americana chamada Alissa Sanders cantando Standards de jazz, a cantora nacional Patrícia Marx, um cantor que gosto muito da nova geração de compositores paulistas, Fábio Cadore, e uma grande craviolista, dona de uma das vozes mais belas e afinadas que já trabalhei. Ainda continuo com um trabalho maravilhoso (exaltando a natureza), com Tetê Espíndola.

-- Notei em seus solos, uma intensa atenção voltada para os timbres e principalmente para o timbre da caixa, que na maioria dos momentos fica sem o som da esteira, potencializando uma identidade e originalidades suas. Como é isso para você?

Realmente, uma das coisas que desenvolvi foi a minha identificação com timbres e melodias geradas a partir das afinações que os tambores estão nos oferecendo. Isso é tão forte no meu trabalho que é o mote das minhas aulas. Tem um caso interessante e ao mesmo tempo animador quando em uma das aulas eu chego para um grande amigo, músico e baterista Paulo Almeida, e digo: “Toque o parabéns pra você na bateria! Vamos, toque!!” Ele me disse que ficou em choque, pois o que eu queria dizer com isso: “toque o parabéns...”? Foi quando despertou para ele uma nova visão em cima desse instrumento que acompanha, mas ao mesmo tempo serve como intenção melódica, ou porque não harmônica dentro da música. Nos solos ou mesmo no acompanhamento, as intenções de novas possibilidades de timbres (ex, a caixa desligada, sem a esteira) vão surgindo conforme a "cor" que o som vem provocando naquele momento, e o baterista que cria a atenção para esses detalhes pode ter um certo destaque, deixando assim de assumir o papel primo de só conduzir o grupo.

-- Alguma vez você já sentiu que influenciou algum outro artista, que não músico?

Teve uma ocasião no Festival Painel Instrumental/Festival Paralelo, que uma amiga do teatro Larissa Bassoi me emocionou muito ao ver um show do Mente Clara. Ela chegou soluçando de tanto chorar e me dizendo: "Que coisa linda, eu consegui me reportar a lugares vividos os visualizar lugares inéditos... Foi tão bonita essa viagem, e isso me fez pensar em mil coisas que podem ser diferentes no cotidiano, situações e sensações novas, e outras resgatadas da minha infância... Enfim, adorei!"

Nesse dia, eu tive mais uma confirmação, de que a música tem um simbolismo muito forte, e quando entendida pode te levar a momentos quase eternos. Muito obrigado Larissa, pode ter certeza que você também me influenciou muito. Beijo grande pra Ti.

-- O que você acha dos músicos/bateristas "atletas" ou os acrobáticos? Qual a importância da "independência" para você?

Dou valor a qualquer manifestação de esforço no sentido da manutenção e obtenção de resultados para a melhoria de sua conduta pessoal, profissional, etc. Isso não foge à regra no caso de bateristas que pensam mais "tecnicamente" o seu instrumento. Mas como havia comentado antes, minha pré-disposição para entendimento desse conglomerado percussivo é melódica, portanto uso também dos artifícios técnicos como necessidade de minha resultante interpretativa e não como ponto de partida. Admiro bateristas como Mike Portnoy, Neil Peart, um brasileiro que gosto muito, Ricardo Confessori... E veja, são todos músicos que obtiveram seus resultados e mesmo assim não deixaram a música de lado. O que teve de diferente foi o ponto de partida.

-- Que elementos, ritmos, ou estilos musicais você tem vontade de incorporar pessoalmente em sua bateria, e também no "Mente Clara"?

Hoje me sinto feliz, mas não realizado, e sim muito feliz pelo o que tenho desenvolvido rítmico/melodicamente no meu instrumento. No terceiro disco do Mente Clara, iremos apresentar uma chacarera (ritmo argentino) que tem um dos seus mais expressivos representantes, internacionalmente falando, a saudosa cantora Mercedes Sosa (1935- 2009). Ultimamente, estou pesquisando um ritmo chamado Shaabi da região de Magreb, mais específico do Marrocos. Esses dois ritmos têm uma subdivisão ternária, diferentemente da maioria dos ritmos brasileiros que tem uma subdivisão binária. Ritmos como o Boi, Cururu, Fandango, Catira, são ritmos que tenho como meta a estilização, e assim usá-los com mais frequência na vertente instrumental.

-- Diga o que quiser sobre a música em notas musicais...

Outro dia postei uma música minha que saiu no primeiro disco do Mente Clara – Eli Ferreira dos Santos – e acredito que nesse som consigo falar algumas coisas de que sinto, neste caso, saudades, pois meu pai, que é falecido, e outras mais mostrando que a vida é bela e que podemos e somos felizes. Deixo aqui minha postagem pra quem quiser ouvir:

(http://soundcloud.com/search?q%5Bfulltext%5D=eli+ferreira+dos+santos).

Um forte abraço e desejando tudo de bom para todos, tendo a certeza de que a arte nos molda para uma melhor convivência entre os seres (estou escrevendo isso com lágrimas nos olhos, pois a música me traz essa emoção toda vez que reflito sobre a mesma). Ow Glória!!

Link Eli Ferreira dos Santos - Rodrigo Digão Braz - Música gravada no primeiro disco do Grupo Mente Clara. Mente Clara é: Fábio Leal (Guitarra), Franco Lorenzon (Baixo), César Roversi (Saxofones), Beto Corrêa (Piano e Sanfona).
http://soundcloud.com/search?q%5Bfulltext%5D=eli+ferreira+dos+santos

http://www.myspace.com/rodrigodigaobraz

Paulinho "Briga" Vieira - MBB - Memória da Bateria Brasileira

2011-08-09T14:59:00.000-07:00

Dia 03 de agosto de 2011 se iniciou o Projeto MBB - Memória da Bateria Brasileira. Este evento, organizado por Thiago Carbonari, visa documentar os bateristas brasileiros que merecem sempre ser ouvidos e lembrados. Paulinho "Briga" Vieira de Ribeirão Preto, baterista que já realizou trabalhos com artistas como Djavan e Ivan Lins, foi o primeiro homenageado. Esta primeira edição contou com a participação dos bateristas Paulinho Vieira, Christiano Rocha, Vlad Rocha e Duda Lazarini, além das cantoras Adriana Godoy, Maysa Rizzatti Gomes, e Vania Lucas. Fizeram parte também da homenagem e som do dia, André Carbonari, Bruno Barbosa, Leandro Cunha e Bidinho.

Sobre Paulinho:
"Mineiro da cidade de Araxá, Paulinho 'Briga' Vieira já trabalhou com importantes nomes da música brasileira. Entre suas gravações mais importantes como baterista estão os discos 'Comissão de Frente', de João Bosco, em 1982; 'Novo Tempo', de Ivan Lins, em 1980; e 'Alumbramento', de Djavan, em 1980. Além disso, o músico gravou com Emílio Santiago, Zizi Possi e acompanhou as bandas de Zé Rodrix, Suvuca, Elza Soares e Cauby Peixoto."

bREVE: Videos do evento.

http://www.youtube.com/watch?v=1NuRNJX_kFM&feature=player_embedded-
Paulinho "Briga" VIeira no Workshop Vários Ritmos de um Mesmo Mundo no EM&T Jabaquara. Dia 26.04.11.

Patrick Laplan e Eskimo - Uma nova maneira de ser do pop

2011-06-18T15:33:00.000-07:00

Patrick Laplan, multi-instrumentista, produtor e compositor, acaba de lançar seu mais novo projeto: Eskimo. Além de ter tocado no grupo Los Hermanos, atuou como baixista do Biquini Cavadão por um bom tempo. Desde 2010 assumiu as baquetas na gravação do primeiro cd do Eskimo (Felicidade Interna Bruta), revelando uma faceta pouco conhecida para o grande público. Além de uma intensa criatividade, Patrick explora neste projeto todas as possibilidades de se experimentar com a música pop, usando atributos rítmicos de outros estilos musicais para compor uma obra extremamente original e singular. A bateria, não por acaso, é um dos principais destaques e ingredientes das músicas.

-- Nos conte um pouco de sua trajetória na música e em cada um dos instrumentos. O que veio primeiro, a bateria ou o contrabaixo?

A bateria. Aos onze, doze anos, migrei do videogame para a música. Aos treze, ganhei uma assustadora Roll Star. Hoje, certamente teria bom uso. O contrabaixo só viria uns cinco, seis anos depois, quando me chamaram pra tocar no Los Hermanos, e quando comecei a estudar com o Nico Assumpção. Mas nunca deixei de praticar bateria.

-- Quais fatores mais pesaram para motivar sua saída do Los Hermanos?

Ahh, a pergunta de 1 milhão de dólares…

-- Suas ideias e composições eram bem aceitas pelo grupo?

Eu ainda não era compositor na época. Quanto à ideias e arranjos, sim. O processo sempre foi muito aberto e democrático.

-- Como foi o processo de amadurecimento da ideia do que hoje se tornaram as músicas e o projeto do Eskimo? Desde quando vem sendo gestado o projeto?

Tão longo que os conceitos virariam de cabeça para baixo várias vezes. A gestação não foi do projeto, e sim da pessoa, de uma personalidade. E certamente houve muita insegurança minha em terminar o que seria o objeto que finalmente me definiria, pelo menos inicialmente. Agora eu acredito que alguém pode ouvir o disco e dizer que entendeu quem eu sou. Antes disso teve muita coisa da qual me orgulho muito, mas que não dizia tanto de mim. Não quero dizer que o F.I.B. (Felicidade Interna Bruta) disse tudo de mim, mas tudo o que foi dito, foi dito por mim. E ainda tem muita coisa a ser dita. O Eskimo começou calcado em colagens abruptas (a la Mr.Bungle e Beck), climas soturnos, com um quê minimalista, "brinquedinho". Por isso o Tim Burton com seu universo "Noiva Cadáver" sempre foi citado como referência. E com o tempo, fui deixando as letras e composições dominarem o conceito e se completarem naturalmente, instintivamente. Elas estariam amarradas pelo fato de terem brotado da mesma cabeça. A gravação começou no dia 2 de julho de 2009, e terminou em 30 de agosto de 2010. Parece muito tempo, mas para um disco praticamente feito em casa, por mim e meus amigos, não acho tanto. O processo todo está no diário de bordo do nosso site. É fácil de ver a paciência que eu tinha para descrever tudo no começo, e como o texto se torna mais monossilábico no final, de tão cansativo que foi.

-- Como foi tocar bateria neste disco? Foi algo que você sempre almejou, ou o baixo sempre foi o instrumento para o qual você se dedicou e se propôs a gravar e tocar?

Maravilhosamente tenso. Imagine um baterista conhecido como baixista, que nunca teve a oportunidade devida de gravar? Era uma coisa que eu devia pra mim mesmo, e foi essa sede que levei para gravar. Se fosse para ilustrar, eu diria que o baterista Patrick (nesse disco) foi o músico menos maduro dos Patrick´s. O produtor Patrick e os outros músicos Patrick´s meio que seguraram a onda para essa "criança" poder soltar os bichos. E só dessa maneira pode haver coesão. Essa explosão não deixa de ter sua beleza, e por isso eu permiti que isso acontecesse. Não estou dizendo que as baterias do disco são imaturas, mas comparativamente foram. (Que confusão de Patrick´s. Falar de mim na terceira pessoa é imperdoável). E foi tenso porque 95% dos arranjos de bateria foram memorizados nota por nota, e eram muitas as variações, viradas e detalhes, que fariam toda a diferença. E eu sabia que não me perdoaria se eu esquecesse alguma coisa. Exigiu muito do "HD interno". Viva a auto-sabotagem, a quebra de limites, e o auto terrorismo.

-- Você consideraria a sua bateria como um dos principais meios de interlocução para a composição das músicas do Eskimo?

Não. Com exceção de "À Deriva", que foi muito calcada na bateria, a idéia sempre foi ter todos os elementos brilhando ao mesmo tempo. Melodia e letra não tiveram prioridade com relação aos arranjos. Sempre tentei fazer com que todos os elementos pudessem estar funcionando no máximo de seu potencial em 100% do tempo.

-- Cada música do álbum traz seu próprio desdobramento musical, criando uma árvore genealógica de ritmos e sons possíveis. As influências foram importantes nesse processo, ou foi mais um libertar das influências estéticas musicais?

As influências afloram naturalmente. Não foi racional ou conceitual. Se você parar pra pensar nelas, é um passo pro plágio. É uma questão de fechar os olhos e se deixar levar. Registrar o resultado, e aprimorá-lo. Ou descartá-lo, e tentar de novo. Tudo que você viveu e ouviu a vida inteira acaba saindo pelos poros, quer você queira ou não. Então melhor nem pensar sobre isso. Faça mais, e deixe pros outros pensarem sobre o que você fez.

-- Como você costuma compor? Como se caracterizou a composição das músicas no Eskimo?

Não tem regra. Umas começam pela letra, outras pela melodia. Às vezes por um arranjo, um riff, uma batida... Tanto faz o instrumento. Tocar uma coisa que você não domina pode ser bom nesse caso. Você não tem a tendência instintiva de seguir um caminho que já conhece. Abre espaço para o inesperado.

-- Como foi e é a oportunidade de trabalhar como produtor, tocar baixo, guitarra, bateria, piano, organizar arranjos, etc.? Como é ter toda essa visão panorâmica, podendo ser a autoridade do próprio trabalho?

Foi um fardo. Literalmente. Muita responsabilidade, e poucos ombros pra dividir o peso. Achei que todo o processo seria muito prazeroso, mas não foi. Foi cansativo, demandou demais. Dividir é sempre bom. Inclusive as alegrias. Não foi uma opção pelo poder em termos de ego, e sim pela estética. Ninguém conseguirá swingar com você tão bem quanto você mesmo. Agora imagine uma banda inteira respirando totalmente junta? Como um só? Era essa a idéia. E acho que valeu a pena. Consegui o resultado que queria, mas não sei se teria gás pra fazer isso de novo. Deve ser como pular de moto de um prédio pra outro. Só depois que você faz, que tem ideia da "m...." que fez. E diz: "Nossa. Fiz uma parada muito maneira. Mas... Nossa! Como sou um imbecil de ter me jogado desse prédio". Como produtor, foi um dos poucos ângulos que valeu a pena. (novamente o caso dos mil Patrick´s). Você tem noção exata de todos os "pingos dos i´s" do disco. Facilita muito pra poder amarrar as ideias ou levá-las a extremos.

-- Quais foram e são suas principais influências na bateria?

A gente vai crescendo e mudando. Quando mais novo, eu gostava muito do Dave Abbruzzese, do Tim Alexander, Fish Fisher, Sim Cain e do Igor Cavalera. Os favoritos de hoje em dia são Matt Chamberlain, James Gadson, Rafael Barata, Jojo Mayer, Chris "Daddy" Dave, Abe Laboriel Jr., Chris Pennie, Homer Steinweiss, Deantoni Parks, Nate Smith, Pupilo, Jack Irons, Duda, Rafael Rocha, e as programações absurdas do Squarepusher.

-- Somar referências e influências nem sempre traz um bom resultado para quem deseja buscar um novo som. A ordem dos ritmos altera o resultado?

Muita gente tem medo de estudar por causa disso. Tem medo de aprender as regras e bitolar nelas. Informação não atrapalha. Conhecer as regras facilita você a quebrá-las. Imite. Assimile. Inove.

-- Você acha que a música pop hoje em dia ainda tem dificuldade de assimilar o pitoresco, a singularidade?

Acho a nova geração do pop preguiçosa e desrespeitosa. Não faz questão de pesquisar as raízes do que gosta, e não tem dor na consciência de copiar descaradamente, contanto que ninguém descubra. Isso em geral, porque existem poucas e boas exceções. Talvez por isso o alternativo/experimental dessa geração acaba sendo muito mais interessante. Com o passar de gerações é mais trabalhoso ser original. Os caminhos já foram explorados. Fica difícil chegar com uma super novidade. Mas é dever do artista tentar. Você não pode se sentir pleno usando uma frase feita de alguém. E a beleza está em deixar esse "seu" ir à tona, mesmo que pequeno. É o que me faz respeitar e gostar de um artista. Estar aberto à possibilidade de ser visto de verdade.

-- Como é a questão da relação baixo/bateria para você, já que consegue percorrer os dois caminhos com fluência?

Facilita muito. É ter o conhecimento absoluto do que a outra parte está tocando, de como ela respira e flexiona o tempo. Fica muito confortável pra criar uma unidade. É preciso ter cuidado pra não cobrar uma conexão tão grande quando se toca com qualquer outra pessoa. Você aprende a valorizar mais as diferenças.

-- E como serão os shows, você vai tocar bateria, baixo, outros instrumentos, ou um pouco de cada?

Seria difícil escolher, mas as circunstâncias facilitam. A princípio eu tocarei baixo apenas. Gostaria de ter a opção de trocar em certas músicas, mas pra isso precisaríamos de alguém com mais experiência no baixo. Todo mundo toca mais de um instrumento, mas o baixo é limitado. Temos Diego Laje na bateria e percussão, Dudu "Quindim" Miguens na guitarra, violão e percussão, Fabrizio Iorio no piano e acordeon, e Cauê Nardi na voz, violão e cavaquinho. Esse é o Eskimo em shows.

-- Para verdadeiramente nadar na música, é preciso saber se afogar às vezes?

Não acho preciso não, mas toda experiência traz conteúdo. E certamente é melhor morrer tentando, do que ficar de boinha no rasinho.

Link para audição completa do álbum: http://eskimobr.bandcamp.com/album/felicidade-interna-bruta-2011

Site oficial: www.eskimosounds.com

Vídeo da gravação: http://www.youtube.com/watch?v=gmI52NKB2NM

Bateristas da Música Instrumental Brasileira

2011-05-11T14:38:00.000-07:00

É comum certas histórias serem contadas a partir do seu final. E essa não deverá ser diferente. Mas essa não tem final, pois é o que há de mais atual.

O que se vê na música instrumental brasileira hoje é de uma rara e peculiar forma de expressão. Usando de todos os nossos atributos rítmicos e musicais, os bateristas instrumentais dessa geração influenciam cada vez mais a maneira de se produzir música no país. Estão cada vez mais estendendo seus “campos de atuação”, saindo do mundo instrumental e imantando o campo da música popular, junto a cantores e artistas renomados. Na verdade, isso não é nenhuma novidade para grandes bateristas, que no passado também acompanharam grandes artistas, mas hoje eles estão perdendo o status de “fundo de palco”, e deixando de ser apenas vislumbres de focos alheios, alcançando assim maior evidência, fato fundamental para a vitalidade da boa música.

Quem não se encantou com figuras da nossa história baterística, como Cuca Teixeira gravando shows e CDs com Marina e Maria Rita, por exemplo? Quem já não se sentiu enlevado com a fina maneira de tocar de Edu Ribeiro em aparições junto à Yamandu Costa e Thiago do Espírito Santo? Quem já não sentiu os pêlos arrepiados do sovaco ao ouvir a orquestração particular de Ricardo Mosca junto ao Grupo Pau Brasil, reinventando Villa Lobos? Quem já não se sentiu arrebatado pela magia da envergadura sonora de Kiko Freitas junto a João Bosco? E o que dizer da união de influências de música brasileira, progressiva, na maneira única e com alta carga de emoção, no álbum Ritmismo de Christiano Rocha? Existe ainda a pegada rápida e funkeada de Vitor Cabral junto com Ed Motta, a fluidez de Jonatas Sansão, a beleza da conjunção atômica de bateras tocando em dupla em um disco de Michel Leme, e muitas outras mais…

Não parece a nós, que de um tempo pra cá a bateria brasileira mais do que nunca tem influenciado a maneira de nossos cantores e artistas comporem suas músicas?

Para mim, parece claro que tal notoriedade desses Bateristas-Músicos (com a tonalidade mais forte da palavra) é uma via de duas mãos, pois tanto a música deles está dando mais visibilidade à música de cantores populares, por exemplo, como a música de cantores e artistas em geral está dando mais visibilidade para esses bateristas antes considerados como meros músicos de apoio. Vida nova à música!

A história da nossa música instrumental e os baluartes da bateria

Não é novidade para ninguém que a história da música instrumental brasileira passa principalmente pela conjunção da bossa nova, do samba e do jazz, somados aos ritmos marcantes dos folclores regionais das mais longínquas partes do país.

O Choro pode ser considerado parte da história da música instrumental do Brasil, mas os outros ritmos foram os mais “próximos” ao que podemos chamar de precursores do encaminhamento dos temas, na parte instrumental, melódica, harmônica, e estrutural.

A bossa nova em sua versão instrumental foi nomeada de “samba-jazz” no início da década de 60. Com esse novo “movimento”, as harmonias jazzísticas foram mescladas com os ritmos brasileiros, criando novas melodias e temas. De lá pra cá, não só o Brasil, mas o mundo ganhou uma nova e importante influência. O Jazz de fora bebeu direto da fonte brasileira. E os instrumentistas brasileiros, envolvidos com o Jazz, formaram grupos com repertório focados na bossa nova e no jazz instrumental. Grupos como Tamba Trio, Zimbo Trio, Milton Banana Trio, Jongo Trio, Bossa Três, Sambalanço, Quarteto Novo (de Hermeto Pascoal), e os Copa 5, lançaram as bases de uma importante parte da nossa música instrumental.

Outro importante exemplo da música brasileira é a Banda Mantiqueira. Nelson Ayres nos dá o seu testemunho sobre ela:

“Os arranjos e as interpretações usam todas as técnicas da história das big bands, mas tem os pés firmemente fincados nos coretos do interior, onde muitos dos músicos tocaram em público pela primeira vez. E cada solista abandona o caminho fácil de ser apenas mais um imitador dos grandes jazzistas para procurar sua própria verdade”.

Quando se pensa em música instrumental, se pensa em Improvisação. E criar e compor a música no momento em que ela acontece é privilégio de poucos instrumentistas.

A história dos nossos maiores instrumentistas e bateristas passa pela história do samba e da bossa nova instrumental. Nomes como Luciano Perrone, Edison Machado e Milton Banana, puxaram o cordão umbilical da música instrumental brasileira. Cleber Almeida, outro grande músico da cena atual brasileira, diz sobre Luciano: “O ‘pai ’ da bateria brasileira é o Luciano Perrone, que criou uma maneira própria de tocar samba quando nem o kit do instrumento era muito definido.”

Milton Banana, dono de um estilo singular, trouxe sua batida com uma forma única para a bossa nova, impronunciável aqui em palavras.

Edison Machado recortou o samba e criou o chamado “Samba no Prato”, mudando a perspectiva sonora que antes ficava somente a cargo dos tambores e da caixa.

Qualquer tentativa de tentar resumir aqui, algo da história da música instrumental brasileira, vai frustrar qualquer leitor e músico… Pascoal Meirelles, Wilson das Neves, Paulinho Vieira, Erivelton Silva, Celso de Almeida, Tutty Moreno, Duduka da Fonseca, Carlos Ezequiel e muitos outros, fizeram e fazem parte dessa história.

Mas vamos esboçar uma particular e importante parte dessa narrativa histórica: Os grandes bateras que passaram pelos grupos de Hermeto Pascoal e Egberto Gismonti;

Segundo a pesquisadora Marina Beraldo Bastos, “as obras de Hermeto Pascoal e Egberto Gismonti foram muito importantes para a formação da música instrumental como um gênero pleno, com termos temáticos, estruturais e estilísticos relativamente estáveis.”

Os bateristas de Hermeto Pascoal

Para mergulharmos na história dos bateristas de Hermeto, naturalmente é preciso caminhar na bela construção musical e percussiva do próprio Hermeto, que desde cedo, obteve seus alicerces musicais na natureza que o cercava. Pelos sons dos pássaros cantando, e pela ordem natural da nascente das corredeiras das águas que passavam próximas a sua casa, poderíamos procurar as fontes da obra de Hermeto. Ele costumava passar horas tocando e tirando sons da água da lagoa. Os sons da natureza talvez o inspirassem não desde pequeno, como diz sua biografia, mas talvez desde sempre, pois as figuras humanas vêm e vão, e talvez ele já tenha sido outras partes da natureza, para incorporá-las com tanta facilidade em seu som. O empirismo agudo dedicado na sua forma de compor e de pensar música foi criando os rastros por onde seus futuros bateristas e percussionistas não poderiam desviar para não se perder dos caminhos belos e tortuosos de sua complexa arte musical. O caminho sempre foi o da riqueza rítmica e percussiva de suas composições.

A história da “Música Universal” de Hermeto Pascoal sempre obedeceu aos mesmos princípios: Liberdade, naturalidade, e inexistência de limites, calcando sempre seu som pelo conceito de Boa Música.

E é com esse conceito que foi dada a partida à jornada musical de Hermeto...

O primeiro disco oficial de Hermeto foi o LP “Hermeto”, gravado e lançado nos EUA, com a assinatura baterística de Airto Moreira.

Em 1965, no disco “Em Som Maior”, veio mais uma aparição de Airto Moreira na bateria e percussão. Foi com Airto que os primeiros passos em direção à criação do aclamado conjunto “Quarteto Novo” foram dados. O grupo já existia com o nome de “Trio Novo” antes da entrada de Hermeto. O primeiro e único disco do grupo se chamou “Quarteto Novo” e se deu em 1967 com participações de grandes nomes da música brasileira, como Heraldo do Monte. Foi nesse disco que apareceram as famosas composições de Hermeto, como “O Ovo” e “Canto Geral”. O Quarteto se consagrou por misturar ritmos nordestinos com arranjos jazzísticos, impulsionando a carreira de Airto Moreira como percussionista pelo mundo.

Com o disco “A Música Livre de Hermeto Paschoal”, de 1973, iniciou-se a trajetória de Nenê na bateria hermetiana. Gravou dois famosos discos, “Zabumbê-bum-a” e “Hermeto Pascoal ao vivo em Montreux”. Nenê, até hoje, é um dos bateristas mais celebrados da música brasileira, por sua identidade, talento, e por ter tocado em discos antológicos junto a artistas renomados como Milton Nascimento e Elis Regina.

Nenê dá seu depoimento sobre o que era tocar com Hermeto: “Para mim, foi superimportante ter participado da vida musical deste excepcional músico. O Hermeto Pascoal foi quem me mostrou os ritmos brasileiros, o que me foi de grande valia. Dos discos que gravei com ele, três deles, 'A música livre de Hermeto Paschoal', o primeiro do Grupo, 'Zá-Bum-Be-Bum-Á' e "Live in Montreux", considero de suma importância para minha carreira. O Hermeto foi um dos meus mestres.”

Zé Eduardo Nazario foi outro importantíssimo baterista brasileiro, que não por acaso, passou pela “escola” de Hermeto. Fez sua estreia no grupo em 1973 e permaneceu até 1977, tocando bateria e percussão e fazendo apresentações memoráveis nesse período. Participou com Hermeto no Festival Abertura da Globo em 1975, onde a composição "O Porco na Festa" obteve o prêmio de melhor arranjo do Festival. Nesse arranjo, Hermeto escreveu uma introdução especialmente para a performance de Zé Eduardo Nazario na então inédita "barraca de percussão", de criação de Zé e mostrada pela primeira vez na televisão brasileira. Zé Nazario comenta sobre seu percurso com o mestre: "Toquei bateria e percussão com o Hermeto num momento muito especial da nossa história... Foi um grupo que quebrou barreiras até então intransponíveis no que diz respeito à criatividade, inovação, energia e coragem de mostrar ao público um novo caminho para o músico e a música brasileira e mundial, que influenciou a todos, tanto aos mais experientes quanto aos mais jovens, e aos que vieram depois."

Zé também participou do disco "Imira, Tayra, Ipy, Taiguara", onde tocou percussão e bateria. Nos anos pós-hermeto, Zé trabalhou também com Milton Nascimento, John McLaughlin e Joe Zawinul.

Os anos 80 começaram com Alfredo Dias Gomes na bateria do disco “Cérebro Magnético”.

Em 1982, iniciou-se a fase em que Márcio Bahia assumiu as baquetas, no álbum “Hermeto Pascoal e Grupo”. Trazendo sua autêntica vibração advinda do seu consistente toque, Márcio conseguiu dar um caráter extremamente preciso e suingado à música de Hermeto.

Os discos mais essenciais e importantes de Márcio Bahia com Hermeto foram “Hermeto Pascoal e Grupo” de 1982, “Só não toca quem não quer” de 1986, e “Festa dos Deuses” de 1991, que mostraram toda a fluência e dinâmica de Bahia.

Márcio Bahia toca e já tocou com grandes nomes do cenário musical, como: Hamilton de Holanda, Marco Pereira, Vittor Santos, Leny Andrade, Jhonny Alf, Marcos Valle, João Donato, Carlos Lira, Roberto Menescal e Wanda Sá, Joyce, Gilson Peranzetta, João Bosco, Maria Bethania, Leila Pinheiro, Eliane Elias, David Friedman, Thijs Van Leer (Focus), Baden Powell, Toquinho, Ednardo, Fagner, entre outros.

Ajurinã Zwarg completa a série de bateristas que passaram pelas formações de Hermeto. Atualmente, Ajurinã é um dos bateristas de Hermeto Pascoal e Grupo ao lado de Márcio Bahia, que foi um dos responsáveis pela sua iniciação musical na bateria.

Depoimento pessoal de Hermeto sobre seus bateristas

De forma objetiva, e não por isso menos passional, Hermeto comenta sobre todos os bateristas que passaram por sua vida:

“Todos que trabalharam comigo contribuíram muito, com seu jeito pessoal e musical. Por isso, chamo minha música de Música Universal. Não comparo um ao outro, nem cito as características individuais de cada um… As gravações estão aí para cada um ouvir... Tenho um imenso carinho por todos os bateristas que tocaram e tocam comigo.”

Egberto Gismonti e sua turma percussiva

Egberto Gismonti tem uma afinidade muito especial com Hermeto: Multi-instrumentista, compositor e arranjador, ele é dono de uma sensibilidade apurada e vive a música com uma alta dose de experimentalismo, sempre.

E de tal afinidade, já seria normal se esperar que o vértice rítmico de seus grupos fosse comandado pelas baquetas de músicos que também passaram pelas formações de Hermeto.

Cabe destacar aqui no histórico das formações musicais e álbuns de Gismonti, o disco “Sanfona”, com Nenê na batera.

Sobre Egberto, Nenê diz: “O Egberto, dono de uma sonoridade única no piano e de um modo de improvisar totalmente original, além de um senso rítmico muito apurado, me proporcionou uma execução na bateria expressamente aberta e polirrítmica. Dos discos que gravamos, gosto de todos, mas, o disco "Sanfona" é o meu preferido. Violão também é um instrumento em que ele é mestre.”

Além de “Sanfona”, outro grande disco da carreira de Egberto foi “Academia de Danças”, de 1974, com Robertinho Silva na bateria.

Egberto Gismonti, num show, confessou: “Não tenho medo da música”… Negação de um medo, que é sabido e enfrentado pelo músico, sendo acompanhado em sua filosofia por bateras como Robertinho, que desde cedo enfrentou o “medo”, e com sua batida forte, foi se tornando um dos mais requisitados percussionistas e bateristas da música brasileira, tocando com nomes como João Donato, Gilberto Gil, Toninho Horta, Gal Costa, João Bosco, e outros do exterior, como Wayne Shorter, Sarah Vaughan, George Duke, Moacyr Santos, Airto Moreira, Flora Purim, Egberto Gismonti, Ron Carter.

Robertinho ainda lançou, com participações de Egberto Gismonti e Raul de Souza, seu primeiro disco solo em 1981, “Música Brasileira Popular Contemporânea”. Ele, atualmente, está voltado à carreira solo e à pesquisa dos ritmos folclóricos do Brasil.

Colaboraram ainda em discos de Egberto Gismonti o percussionista Naná Vasconcelos (“Dança das Cabeças” e “Duas Vozes”), Zé Eduardo Nazario (“Nó Caipira”), e Airto Moreira.

Cabe finalizar aqui, usando o exemplo de Gismonti e seus bateristas, que a música e a bateria instrumental brasileira estão no ápice de suas formas, se orientando cada vez mais para estruturas complexas, num universo em expansão sonora de texturas e dialetos musicais.

por caio garrido

Parte desta matéria foi incluída e publicada na edição de março/2011 da Revista Modern Drummer Brasil

Dicas de CDs 2011

2011-05-09T14:03:00.000-07:00

Olá, pessoal, após um breve período sem postagens, segue algumas dicas de CDs deste início de 2011:

Mente Clara – São Benedito

Como todos sabemos, a corda muito esticada estoura, e muito esgarçada não vira música. É a Teoria do Caminho do Meio, do equilíbrio. Neste segundo álbum, o Grupo “Mente Clara” atingiu a estatura necessária para não se desequilibrar e andar com as próprias pernas, com desenvoltura e elegância. Apoiados na estética da Música Universal de Hermeto Pascoal, conseguiram ir mais longe para o encontro com uma identidade musical mais própria e apurada. São Benedito que nos ouça, e que ouça Mente Clara também!

http://www.myspace.com/grupomenteclara

Thiago Righi - Aprendendo a ser só

Nem só de boas improvisações vive a música instrumental. Os bons arranjos, além de essenciais, fazem parte das arestas da arquitetura de uma bela obra. E toda obra deve ter um belo acabamento. É o que acontece no álbum "Aprendendo a ser só" de Thiago Righi, guitarrista e compositor brasileiro, com destaque para a música Macondo, nome provavelmente inspirado na literatura. Na emboscada da música, é imprescindível aprender a ser só, singular, original, mas bem acompanhado, se não, vai acabar na "terceira margem do rio".

http://www.myspace.com/righithiago

Nelson Faria & Frankfurt Radio Bigband – Live in Frankfurt

Este é um CD de Nelson Faria, gravado ao vivo em Frankfurt, Alemanha, com a Hr-Bigband (Frankfurt Radio Bigband) com regência de Örjan Fahlström e tendo como convidados especiais Kiko Freitas na bateria e Ney Conceição no baixo.
Para quem já conhece o Grupo “Nosso Trio”, este trabalho vem como uma extensão do mesmo. Nelson Faria e Ney Conceição renovam os limites às vezes estreitos da música instrumental. Kiko Freitas (que não precisa mais provar nada para ninguém) prova mais uma vez sua capacidade de transcender o purismo que habita determinadas searas da música instrumental brasileira. É ouvir pra crer.

http://www.nelsonfaria.com/music/www.nelsonfaria.com_music/live_in_frankfurt.html

Grupo Mente Clara - Show da turnê do disco São Benedito

2011-03-11T13:17:00.000-08:00

Mente Clara, concepção em evolução.

O grupo de música instrumental brasileira 'Mente Clara' está em fase de divulgação de seu segundo disco, "São Benedito", recentemente lançado, onde "pode-se perceber a evolução individual dos integrantes bem como da composição e gravação, tornando o grupo um dos maiores representantes da música brasileira aqui e no exterior."

Segundo o grupo, "as composições, desta vez, valorizam o espaço para o improviso, navegando por diversos ritmos, com grandes temas e harmonias bem cuidadas, como legítimos continuadores da "música universal" sugerida por Hermeto Pascoal."

O show irá acontecer:

DIA 17/03 (QUINTA), AS 21:00 MIN
no SESC POMPÉIA
PARTICIPAÇÃO DA CANTORA MANUELLA CAVALARO.

Tocando para a Música – João Viana

2011-02-28T14:04:00.000-08:00

Não deixa de ser uma surpresa cada vez que podemos ver João Viana no palco com sua Yamaha… João toca para a música, essa é a melhor definição para ele. Não importa já ter tocado com seu pai (Djavan), Cássia Eller, ou qualquer outro grande artista, ele continua mostrando sua simples elegância no tocar. Na turnê recente do show “Muito Pouco” de Paulinho Moska, João Vianna consegue mais uma vez mostrar o bom gosto e escolha dos timbres de sua bateria, a sabedoria em orquestrar seus arranjos, se afinando aos arranjos de Moska e grupo, e impulsionando e trazendo muito mais vigor para as músicas, provando que um show é um encontro.

http://www.youtube.com/watch?v=dqAdoDZdDn8

Vitor Cabral – Entrevista p/ a Revista Modern Drummer fev/2011

2011-02-18T11:35:00.000-08:00

Vitor Cabral, baterista já entrevistado anteriormente pelo Blog Música Contemporânea, volta à pauta novamente pela entrevista concedida à Revista Modern Drummer Brasil.

Vitor está entre os novos talentos da bateria que estão surgindo no país, e com certeza já saiu na ponta. Ele compartilhou sua música com mestres cono Roberto Sion, Helio Delmiro, Bocato, Ed Motta, entre outros.

Veja um pequeno trecho da entrevista que consta na edição n° 99 de fevereiro/2011.

-- Vitor, gostaria que você me contasse um pouco da sua trajetória e formação musical.

Bem, inicialmente eu comecei meus estudos no piano, quando tinha 8 anos de idade. Entre idas e vindas, troquei pela bateria aos 13, quando comecei a tocar na igreja, já que venho de uma família cristão-protestante. Isso foi, no começo, a minha "escola", e sou muito grato por ter tido essa oportunidade, pois além de ser uma forma bastante didática de começar, é possível se criar um relacionamento com a música um pouco diferente dos demais. Nesta mesma idade, ingressei na Fundação das Artes de São Caetano, uma escola bem conhecida no ABC Paulista, mas que eu pouco estudei o instrumento de fato, acho que um ano somente, perto do final do curso, mas aprendi muito das matérias consideradas "teóricas", como percepção, apreciação, conceitos básicos de harmonia, contraponto e assim por diante, além de ter tido contato com outros músicos e ser apresentado à música sob uma outra perspectiva. A partir disso eu fui me lapidando musicalmente, procurando ouvir os mais velhos, mesmo que nem sempre o espírito jovial me permitisse. Tive um recesso musical de alguns anos na minha adolescência por questões financeiras e pessoais, e acabei voltando definitivamente há uns 3, 4 anos, quando ingressei no grupo do trombonista Bocato. De lá prá cá voltei a estudar e agora também a trabalhar somente com música.

-- O que o levou a tocar com o Ed Motta?

No caso do Ed, em uma ocasião, ele estava em São Paulo e queria conhecer uma rapaziada nova do "Jazz". O Leandro, pianista que já tocava com ele, juntou um pessoal. Ele curtiu, e depois de um ano, estava precisando de baterista e me ligou.

-- Que cuidados o baterista deve ter na estruturação de sua capacidade de improvisação, na música instrumental corrente hoje no Brasil e no mundo?

Acho que a coisa mais importante a se evitar é aquele tipo de discurso prolixo, onde você fala, fala, mas não diz nada. Normalmente, quem tem muita técnica pode cair nisso, mas não somente esses…

-- Que dificuldade teórica e prática você teve mais dificuldade de desenvolver até hoje no seu percurso de estudos? O que você acha que ainda falta racionar e integrar ao seu progresso musical?

Minha caminhada musical começou ontem, portanto, tenho muita dificuldade ainda em tocar o que realmente estou ouvindo internamente, e se consegui realizar isso duas vezes na vida, é muito.

-- Para o groove do funk, a palavra de ordem pra você é samplear ou simplificar? Ou nada disso?

Acho que para qualquer "groove" a palavra de ordem é "repetir".

Continua…
http://www.myspace.com/revistamoderndrummer
http://www.editoramelody.com.br/home/index.html

vídeos de Vitor:
http://instrumentalsescbrasil.org.br/ui/show.aspx?id=193 – Vitor e Ed Motta

http://www.youtube.com/watch?v=uhG41a729R0&feature=player_profilepage - c/ Sidiel Vieira- só batera e baixo

Atila Tini - Fotografia de Palco

2011-01-08T14:13:00.001-08:00

Fotografia...

Palco...

Grandes músicos...

... Ingrediente perfeito para um casamento entre a Arte do retrato e o mundo da música.

Atila Tini, fotógrafo de palco e músico, atravessa esse campo não-minado com belas fotos. Confira aqui entrevista realizada com ele e algumas fotos de seu trabalho.

-- Conte-nos um pouco da sua história/biografia...

Sou músico e fotógrafo, nascido em São Paulo. Na música, toco baixo (com menos freqüência do que eu gostaria...) em alguns poucos bares de São Paulo. Estudei Arranjo e Composição com o Ricardo Simões e escrevi um pouco de arranjos para big bands e banda sinfônica. Escrevi algumas peças didáticas modais, uma ou outra peça solo para alguns instrumentos de cordas. Mas meu foco está na música instrumental, ao vivo. Amo jazz nas suas formas mais sofisticadas, o que inclui a bossa nova e nossos melhores compositores. Amo a execução em grupo da música improvisada. Na fotografia, comecei garoto, depois que ganhei uma Minolta A5 do meu pai. Quando eu tinha uns 12 anos, minha mãe me autorizou a trabalhar de auxiliar no japonês fotógrafo perto de casa, depois de certificar-se de que o japa não era nenhum tarado. O cara era o máximo; aprendi a revelar, ampliar e retocar no negativo, com grafite. Os clientes das fotos 3x4 que apareciam não tinham a menor idéia do senso estético do japa. Foi minha primeira escola, e dei sorte de entrar nesse mundo muito antes da fotografia digital.

-- Quais são seus trabalhos atuais?

Tenho trabalhado para músicos amigos, na maioria das vezes, e também muito por indicação. Ultimamente andei fazendo A Kesia, Nilton Leonarde, Ary Holland, Marcelo Calderazzo e a São Paulo Ska Jazz. Fiz Vitor Cabral, fiz Leandro, fiz Paulinho Vicente, Bocato, Rubem Faria, Duda Neves, Nina Novoselecki. Fiz fotos não contratadas também, como o Ed Motta. Estava lá para fotografar o Vitor Cabral e disparei contra o Ed. Fiz várias fotos dele. Em duas pelo menos ele próprio me entregou a imagem. O cara é muito experiente. Uns anos atrás fiz o Ron Carter, em Nova Iorque.

-- Como é viver nos bastidores da música, como você se sente em relação a isso?

Eu lido legal. Sei como é a dinâmica de palco e da música improvisada. Minhas fotos parecem com isso. Por isso que, quando posso, escolho as imagens na hora dos solos. É a hora da composição em tempo real.

-- Como você chegou a entrar nesse meio da Fotografia de palco?

Apenas por associar música (minha maior paixão) com fotografia, por proximidade. Fotógrafo desde criança, e músico desde a adolescência. A máquina sempre esteve por perto, assim o caminho foi natural. Nem sei dizer direito quando passei a fotografar música... Como atividade profissional, remunerada, a fotografia de palco é uma atividade que já tenho há uns 5 anos. Fiz bastante foto/jornalismo antes disso.

-- O que foi evocado em você para que fosse um fotógrafo de músicos, a música propriamente dita ou a paixão pela fotografia...?

Não sei formular direito a ponto de descobrir se houve uma relação tão simples de causa e efeito. A música esteve sempre lá, e fotografar ação de palco nasceu como uma tentativa de perpetuar instantes de criação, mas na forma paradoxal de um "testemunho silencioso".

-- Ser fotógrafo de palco é sua especialidade, ou você trabalha com outro tipo de fotografia?

Faço retratos, sobretudo. A fotografia de palco é retrato aplicado a músicos quando atuam. Se for para classificar, faço retratos de pessoas, especializados em ação de palco. Faço cidades também. Já fiz bastante fotojornalismo como freelancer e fiz foto de turismo e publicidade também, mas fora retratos, acho tudo isso meio sacal. É possível que eu mude de ideia também, e faça mais fotojornalismo. Estou com vontade de iniciar projetos documentacionais relacionados com questões humanitárias e de meio-ambiente.

-- Você tem alguma relação especular entre o que você fotografa e o que você também gostaria de ser ou de fazer?

Toquei - e toco de vez em quando - com várias pessoas que já fotografei. Fotografar ação de palco, no meu caso, que também conheço o outro lado, não chega a ser uma continuação, ou sequer uma substituição do ato e do efeito de produzir música. Isso seria bobagem; a música é tão sublime que torna a outra arte (a captura da imagem no instante preciso) uma manifestação acessória. A fotografia, contraposta à música, não é menor. É apenas outra. Para ser meio “rodrigueano”, não sei se sou casado com a Música e tenho a Fotografia como amante ou se é o contrário. Na lógica amoral do infiel, "amo as duas igualmente".

Mais informações: http://www.atila.tini.com.br/

Os melhores discos que ouvi em 2010

2011-01-08T08:09:00.000-08:00

Olá pessoal, vai aí uma lista minha dos discos que mais gostei de ter ouvido em 2010. Reparem que não é a lista dos discos lançados este ano (apesar de estarem alguns na lista), mas sim os que ouvi este ano. Abrs...

- Esperanza Spalding - Chamber Music Society

- Moska - Pouco

- Transatlantic - The Whirlwind

- Art Taylor - Taylors tenors

- Muse - The Resistance

- Michel Leme - 5°

- Verônica Ferriani - Sobre Palavras (c/ Chico Saraiva)

- Trio Curupira - Pés no Brasil, Cabeça no Mundo

- Renato Consorte - Danças

- Christhiano Rocha - Ritmismo

- Trombone Shorty - Backatown

Sugestão de Leitura sobre Jazz

2010-09-07T14:35:00.001-07:00

Olá pessoal. Venho aqui indicar para vocês um excelente livro já a venda sobre o Jazz, chamado "Confesso que Ouvi". Vale a pena conferir:

http://ericocordeiro.blogspot.com/2010/09/confesso-que-ouvi-agora-para-o-brasil.html

http://www.estantevirtual.com.br/poemesse/erico-Renato-Serra-Cordeiro-Confesso-Que-Ouvi-34977601

O autor, Érico Renato é dono do já aclamado Blog Jazz + Bossa.

Entrevista com Cleber Almeida para a Revista Modern Drummer 09/20210

2010-09-04T10:48:00.000-07:00

Cleber Almeida é músico do grupo Trio Curupira, e vem se destacando no cenário nacional como um dos mais completos e dinâmicos bateristas de samba e música brasileira.

Deixo aqui um pequeno trecho da entrevista que fiz com ele para a edição de setembro da Revista Modern Drummer Brasil:

-- Como foi o início de sua vida na música? O que veio antes, a percussão, ou a bateria?

Sempre fui atraído pelo som da bateria. Quando eu tinha uns 5 anos, meus pais frequentavam uma igreja, e foram ali meus primeiros contatos através de amigos da família que tocavam lá, o Zega, Ike, Fran, Osvaldo, o meu primo Bi e meu pai que sempre foi muito musical e que na época também arriscava umas baquetadas... Devo tudo a esses caras. A bateria veio primeiro, aos 11 anos, e nessa época eu tocava com meus primos e cada um tocava seu instrumento mas dava aquela passeada pelos outros... Foi aí que chegou o violão, que me salva harmonicamente até hoje. Comecei meus estudos no Conservatório de Tatuí em 1991 pela Bateria (até 95) e Percussão Erudita até o quarto ano. Em 94 comecei a ter contato com os discos do Hermeto, Egberto, Arismar, Dominguinhos, Sivuca... Foi quando conheci o Nenê e percebi que além da modernidade criativa, ele tinha uma “raiz” muito forte. Conversando com ele, vi que muitos pensamentos estavam diretamente ligados à função da percussão tradicional e completamente conectados à Harmonia. Ali a percussão chegou e não saiu mais. Para mim foi um divisor de águas.

-- Conte-nos um pouco sobre seus atuais projetos musicais, profissionais e pessoais…

Tenho tocado com o Trio Curupira, Antônio Nóbrega, Banda Mantiqueira, Trio Macaíba (Forró “pé de serra”), Sexteto do Proveta, Mané Silveira Quinteto, e tentando dar fôlego a um sexteto com músicas e arranjos meus. Também leciono no Conservatório Dramático Musical Dr. Carlos de Campos em Tatuí, e terminando minha primeira produção na íntegra, desde arranjos, direção, mixagem e masterização, para o CD do compositor e amigo Carlos Madia, e criando minha filha da melhor maneira possível... Tenho aprendido muito com esses trabalhos... E com minha filha também...

-- Em que momento o Trio Curupira entrou na sua vida?

Começamos a ensaiar em 96, eu, o André Marques e o Ricardo Zohio. Temos uma história engraçada... Os dois já vinham ensaiando e procurando um baterista. Um dia o Zohio foi tocar em Campinas e acabou numa festa na casa do Luizão Trombone, que colocou um vídeo de um “Combo” (comigo na bateria) gravado em 95 no Festival de Campos de Jordão. O Zohio gostou do baterista e ninguém tinha o contato... Só sabiam que ele morava no interior. Em junho de 96, por indicação do Vinicius Dorin (saxofonista maravilhoso), fui a um ensaio de dois caboclos em São Paulo (eu não conhecia os caras). Bato na porta... O Zohio atende... Abre os braços e diz: “É você, cara!!!” Não entendi nada... Depois ele me contou esse episódio... rs
Em 2003 o Zohio saiu do grupo e quem assumiu a baixaria foi o Fábio Gouvêa, que está até hoje.

-- Em que gênero o Curupira se enquadra mais, em sua opinião?

Por influência do Mestre Hermeto Pascoal, chamamos de Música Universal. Pela mistura e concepção, a veia mais latente é a nossa música brasileira. E prefiro que as pessoas escutem e digam: “Isso é legal, difícil dar nome”.

Matéria completa na Revista Modern Drummer Brasil 94 /Setembro de 2010.
Para adquirir seu exemplar clique : http://www.editoramelody.com.br/moderndrummer/pedidos_edicao_mes.htm

http://www.myspace.com/revistamoderndrummer
https://www.editoramelody.com.br/moderndrummer/assinatura.php

http://www.youtube.com/watch?v=Fq2lPWYqpmU&feature=related - Instrumental SESC Brasil - Trio Curupira - Tito (André Marques)

http://www.youtube.com/watch?v=frJ8oARMYsE - Instrumental SESC Brasil - Trio Curupira - Samba de uma nota só (Tom Jobim/Newton Mendonça)

http://www.youtube.com/watch?v=b5oTI -wHqL8&feature=related

- Instrumental SESC Brasil - Trio Curupira - Fio de Luz/No Depois (Fábio Gouvêa)

www.myspace.com/triocurupira

Verônica Ferriani – Além das palavras - Levando a música na pele

2010-08-24T16:25:00.000-07:00

Que o mundo dá voltas, todo mundo sabe. Fisicamente, e em acontecimentos, verdades, nuances, que mudam a cada instante. Ininterruptamente.
E quando o mundo gira dentro da gente, é porque algo está mudando lá fora também.
A música, exemplo raro de contato com a nossa pele, com o nosso tato, é a transmigração de algo impalpável pra dentro de nós.
Sinta o contato da música e da palpável entrevista com a cantora Verônica Ferriani, exemplo de caminho possível para a música que gira sem perder suas verdadeiras influências. No seu último álbum “Sobre Palavras”, ela destila uma singeleza de canções, parceria que desenvolveu com o compositor Chico Saraiva, e com as palavras do disco assinadas pelo letrista Mauro Aguiar.

-- Compor melodias através de letras foi o principal mote do cd. Como você encarou o processo de interpretação das músicas? A partir de um ponto de vista subjetivo seu sobre as letras de Mauro, ou a partir de alguma pré-definição dele?

O fato de o CD se chamar "Sobre Palavras" realmente dá importância ainda maior as palavras, e uma grande responsabilidade para quem interpreta. Mas na verdade, o cuidado com o texto sempre foi uma intenção minha ao cantar. Acho que quando me escolheram, Chico Saraiva e Mauro Aguiar - que já me conheciam bem - , buscavam justamente alguém que tivesse uma preocupação e um ponto de vista próprio sobre as letras. Parti de algo subjetivo e fui achando minha maneira de ver e sentir aqueles temas. É instintivo.

- Como foi o processo de composição e de arranjo, tanto para os instrumentos como para sua voz?

Chico e Mauro já tinham composto algumas coisas juntos em trabalhos anteriores, mas no primeiro semestre de 2008 Mauro enviou ao Chico um calhamaço de letras, sobre os quais Chico começou a fazer músicas. Em setembro, num show em que cantei com Chico e Francis Hime, Chico me contou o que andava compondo e que gostaria de mostrá-las para quem sabe pensarmos num projeto juntos. Eu estava com meu primeiro disco solo pronto para ser lançado e poderia ser confuso naquele momento; mas quando ouvi, não resisti. Gravamos 3 músicas em novembro e enviamos para o Projeto Pixinguinha (Funarte - MinC). Para nossa alegria, fomos selecionados. A partir daí Chico compôs ainda outras músicas e juntos fomos fazendo um ou outro ajuste, em ensaios voz e violão, sempre debatendo com o Mauro. Das 18 ou 19 compostas, escolhemos 13. Nestes ensaios fomos pensando em pré-arranjos, quais músicos chamar e numa concepção do disco de forma que fosse nosso, não meu ou dele. Isso em janeiro e fevereiro de 2009. Em abril entramos em estúdio com os músicos e começamos a gravar. O disco saiu em setembro de 2009.

-- O que mais te agrada no mundo da música e do samba particularmente? Um samba, uma música brasileira mais intimista como no álbum “Sobre Palavras”, ou a “criatura” sem freio do samba que se impõe na roda e no fervor do ritmo?

Minha maior característica é não me ater a aspectos formais ou gêneros específicos. Gosto do lirismo e do suingue. Do íntimo, do sutil e da catarse. Do sofisticado e do popular. Não gosto de me prender. Gosto de dizer o que sinto que saberei dizer. E vou no que a música me propõe.

-- Você toca algum instrumento? Compõe?

Toco um pouco de violão desde pequena e percussão desde que me apaixonei pelo samba. Composição é algo bem recente, mas está começando a acontecer, sim. Meu próximo disco solo deve ter algumas minhas.

-- Você tem expectativas de flertar por outros estilos musicais? Quais serão seus próximos e imediatos projetos?

Sou aberta ao que me comove e, nesse sentido, tudo pode acontecer. O que ando fazendo são os shows de meus discos: o CD solo, com o qual estou indo para Salvador e interior de SP em setembro, o Sobre Palavras e o disco que gravei com a Gafieira São Paulo em 2008, que está sendo lançado com uma temporada no Tom Jazz, em SP. Também tenho feito shows de projetos comemorativos do centenário de Adoniran Barbosa e Noel Rosa este ano, entre outras coisas. Para o futuro, começo a pensar num próximo disco solo, mas para ficar pronto somente no final de 2011.

-- Se sua música tivesse um cheiro, qual você acha que seria? Você acredita na capacidade sinestésica da música?

Acredito, claro. Música é subjetiva, é magia ampla. Talvez a minha teria um pouco o cheiro de mato do interior, ainda que não seja um som regional. Gosto de cantar olhando no olho e com sorriso no rosto (ou a expressão que for devida), de ser a mesma em cima do palco e na vida cotidiana. Uma coisa com a qual não me identifico com parte da nova geração é que não sou blasé. E creio que isso seja um traço que trago por ser uma garota do interior.

http://www.youtube.com/watch?v=djpujqnI_lA&feature=search – Na Pele- Verônica e Chico Saraiva

http://www.youtube.com/watch?v=OCQkL-r-kQ0&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=_cbQ8nkx1Z0&feature=related

Grupo Pau Brasil e Villa Lobos- Longevidade

2010-08-20T13:23:00.000-07:00

A música longeva e duradoura é a música que não pode ser datada. E pra comemorar essa data sem tempo e sem justificativas, deixo a ótima música do grupo instrumental “Pau Brasil”, tracionado por Rodolfo Stroeter no baixo, Paulo Bellinati no violão, Nelson Ayres no piano, Ricardo Mosca na bateria e Taco Cardoso nos saxofones e flauta. Grupo único, de instrumentação e lógicas únicas. Agora explorando o universo de Villa Lobos, o grupo está em uma mini-turnê pelo Brasil tocando e interpretando obras consagradas do compositor eterno brasileiro. É algo raro de se ver. Eu pude exercer essa maleabilidade da alma e poder assisti-los. Se vocês puderem, sugiro que o façam. Acompanham eles nessa escalada um quarteto de cordas que temperam ainda mais o som.

A seguir uma palhinha de um som deles tocando Villa Lobos, mas este é sem o quarteto de cordas..

http://www.youtube.com/watch?v=57Qxi4Hh7Qg&feature=search - Instrumental SESC Brasil - Pau Brasil - Aria da Bachiana nº 4 (Heitor Villa-Lobos) - 24/06/2008

Roberto Victorio - Chronos e a 5º Dimensão

2010-07-11T06:58:00.000-07:00

O que aconteceria se o mundo conseguisse perder as amarras do tempo, e pudesse verdadeiramente apreciar e apreender a Cultura?

Certamente, o trabalho do compositor de música contemporânea Roberto Victorio não passaria em branco, e seria conduzido a melhores apoteoses.

Roberto Victorio é um compositor de 30 anos de carreira, e tem como atual carro-chefe a obra Chronos, um ciclo de dez peças para formações instrumentais variadas, relacionadas por uma temática comum: a multiplicidade do tempo.

Segundo Roberto: "a obra do filósofo russo Pëtr Ouspensky, Tertium Organum (1912), é uma chave importante para o entendimento do tempo e destas combinações na obra. Ouspensky propôe a homogenia entre as dimensões do espaço e do tempo, sendo a natureza fugidida deste último determinada apenas pela limitação dos sentidos. A partir daí, conclui que nossa experiência comporta exatamente seis dimensões, e que nos encontramos em um nível de consciência que nos permite senti-las como três dimensões de espaço e três de tempo.
As peças de Chronos são trabalhadas com ênfase na quinta dimensão."

As dimensões de tempo são a 4º, (liga pontos passados a futuros) a 5º (é o espessamento desta linha, acumulando distintos agoras) e a 6º (altura do plano- possíveis caminhos para o agora).

Esta obra conceitual distingue-se de outras, justamente por trabalhar com todas essas questões filosóficas, musicalmente. Há de se apreciar todo este componente mágico de uma audição sinestésica

.
"As obras foram concebidas num período de quatro anos. Sua busca pela complexidade e múltiplas possibilidades o fez pesquisar, por exemplo, na etnia indígena Bororo, interior de Mato Grosso, sonoridade extraída das flautas sagradas. Para tanto, foram dois anos convivendo com os índios para conseguir conquistar a confiança deles a ponto de permitirem o contato com o objeto sagrado."

E o que ouvimos é uma música inquietante, na contra-estética da música atual.

Para ver, ler e ouvir:

http://www.robertovictorio.com.br/artigos.htm

http://www.youtube.com/watch?v=kJcxCCgutxU&feature=related - Lançto de Chronos - Chronos I

http://www.youtube.com/watch?v=BcTKKqDjS7E&NR=1 - Roberto Victorio - Na Yucat

http://www.youtube.com/watch?v=3Yo5lIULFUI - Trio 3-63 - Chronos II (Roberto Victório) - Instrumental SESC Brasil - 02/02/2010 - Com Marcos Suzano (percussão) e Andrea Ernest (flauta) interpretando uma música de Chronos.

Olmir Stocker – “Longe Dos Olhos, Perto Do Coração”

2010-07-06T19:03:00.000-07:00

O “Alemão” brasileiríssimo Olmir Stocker, sumidade na história da música brasileira e no reino da guitarra, demonstra toda uma gama de vocabulário próprio e distinguido dos músicos comuns.

Toda clareza e precisão dinâmica perfilada na música de Olmir é delineada nos vídeos a seguir...

http://www.youtube.com/watch?v=0rKHgx1FSP0&feature=related - Olmir Stocker (Alemão) e Quarteto

http://www.youtube.com/watch?v=RIY6oFN0Yr0&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=xvMsszrfNK0&feature=related – “Triste”- c/ Olmir, Douglas Las Casas e Fernando Rosa

http://www.youtube.com/watch?v=osHA_SBe6xs&feature=related - Olmir Stocker (Alemão) - Choro Feliz

http://www.myspace.com/olmirstocker

Zezo Ribeiro - Traduzindo idiomas musicais

2010-06-22T14:11:00.000-07:00

Zezo Ribeiro; Sua música vem da Eletrostática, da Transcendência, da capacidade de gerar e elencar sons que emocionam, não só pelo conteúdo, mas como postura artística perante a grandiosidade da Música como arte em relação ao Ser.

Segue entrevista com o músico:

-- Com quais projetos está envolvido atualmente?

GRAVACAO NO NOVO CD "SÓ SENDO MESMO" COM UMA SÓ MÚSICA DE 53 MINUTOS, ONDE UTILIZO VIOLAO ACÚSTICO, VIOLAO MIDI (VG-88) COM TIMBRES DE GUITARRA DE ROCK, JAZZ, TEXTURAS, VIOLAO CAIPIRA E OCTAVINO.

-- Quais os principais parceiros e influências musicais que teve ao longo de sua vida?

MEU GRANDE PARCEIRO E INFLUÊNCIA É O GAÚCHO OLMIR STOCKER, O ALEMÃO. DEVO A ELE MEUS PRIMEIROS E BEM ESTRUTURADOS PASSOS COMO MÚSICO PROFISSIONAL.
OUTRAS REFERÊNCIAS SAO: EMERSON, LAKE & PALMER, RICK WAKEMAN, 14 BIS, MILTON NASCIMENTO, PAT METHENY, JEFF BECK, STEVE LUKATHER, FUNDO DE QUINTAL, VICENTE AMIGO, PACO DE LUCIA, JOÃO BOSCO, SECOS E MOLHADOS, FLAVIO VENTURINI, ENNIO MORRICONE, JOHN WILLIANS (MAESTRO E COMPOSITOR, NÃO O VIOLONISTA), DOMINGUINHOS ETC.

-- O que te fez alinhar o desejo de fazer música com o estilo que você escolheu para tocar, isto é, como fez para conceber qual o estilo musical mais apropriado para você e sua personalidade?

UM PROCESSO DE DISTONIA FOCAL NO DEDO MÉDIO DA MAO DIREITA QUE ME FEZ FICAR SEM PODER TOCAR DURANTE DOIS ANOS. ISTO MUDOU A TRAJETÓRIA QUE HAVIA TRAÇADO, A DE SER UM DOS MAIORES VIRTUOSES BRASILEIROS, RS, QUE PREPOTÊNCIA!
QUANDO RETOMEI, TIVE QUE REINVENTAR MEU JEITO DE TOCAR, DESDE A FORMA DE ESTUDAR ATÉ O TIPO DE CONSTRUÇÃO DE INSTRUMENTO, TIPO DE INSTRUMENTO E NATURALMENTE ME VI ENVOLVIDO PELA NECESSIDADE DE ME APROXIMAR DE OUTRAS TÉCNICAS, COMO AS DO JAZZ, DO ROCK, UTILIZAÇÃO DE PEDAIS, SIMULADORES, TOCAR COM PALHETA, GRAVAR DISCOS COM CANTORES POP, ETC
NO PROCESSO DA VIDA E NA RETOMADA DE CONTATO COM O VIOLÃO, NATURALMENTE PASSEI A RESPEITAR MINHAS FACILIDADES EM DETRIMENTO DAS TÉCNICAS FORMAIS DA NORMA DE ESTUDO DO VIOLAO FLAMENCO.

-- Como você fez para mesclar o som de guitarra no violão? Paco de Lucia é uma referência para esse som que você busca?

NÃO. USO O VG-88 PORQUE ELE ENGORDA O SOM DAS PRIMAS E ME FACILITA PARA TOCAR MUITO LEVE, ACARICIANDO AS CORDAS MESMO.

-- Além da mistura com a música brasileira, você tem algum interesse de gravar algo mais futurista adaptado ao flamenco?

PENSO EM “FLAMENCO-ATITUDE”, E NÃO FLAMENCO-FORMA, ESTILO DE VIDA, TÉCNICA ETC. É MAIS INTERESSANTE UTILIZAR AS ATMOSFERAS, DINÂMICAS, COMPASSOS, E DESCONTEXTUALIZÁ-LOS, QUE FICAR ESTUDANDO, TOCAR UMA ESCALA DENTRO DE UMA BULERIA ACOMPANHADA POR UM PANDEIRO.
PENSO ‘FLAMENCO-TRANSGRESSÃO’, TOCAR DE PÉ VÁRIOS RASGUEOS COM UM PAD DE GUITARRA EM QUINTAS E SAIR COMPONDO, EM VEZ DE CAVUCAR PONTOS DE CONEXÃO ENTRE O FLAMENCO E O CHORO POR EX.

-- O idioma falado pelos músicos é a música, os sons. Que inusitado nome você daria ao seu, ou seus idiomas musicais? Se você fosse um pintor, que tela gostaria de ter pintado ou sonhado? E se fosse um escritor, ou outro locutor da arte, que livro gostaria de ter escrito, que obras gostaria de ter exposto?

PENSO MÚSICA-EXPANSÃO, INOVAÇÃO, COMPROMISSO COM EVOLUÇÃO, ATREVIMENTO, TRANSGRESSÃO, ATITUDE, REDENÇÃO, MODERNIDADE.
ME IDENTIFICO COM O PABLO PICASSO, FICOU DÉCADAS TREINANDO OS TRAÇOS DE UM SIMPLES CAVALO E QUE IMPULSIONOU A CONFIGURAÇÃO DE SEU ESTILO.
SE FOSSE ESCRITOR, O RALPH WALDO EMERSON, FILÓSOFO NORTE-AMERICANO. SEU LIVRO "ENSAIOS" É REFERÊNCIA EM FILOSOFIA MODERNA.
PENSO SOCIAL, PENSO SOBREVIVÊNCIA EM ALTO NÍVEL, PENSO EQUALIZAR ENERGIA FÍSICA PARA QUE SEJA PROPORCIONAL A AMBIÇÃO.
PENSO BUDGETS PARA ADMINISTRAR BIÊNIOS. PENSO MÚSICO QUE FALA EM SHOWS, TALKSHOWS. PENSO APROXIMAÇÃO COM O PÚBLICO.
PENSO ENSAIOS ABERTOS. PENSO AJUDAR AQUELES QUE NECESSITAM DE AJUDA E QUE NÃO ENCONTRAM FORÇAS E NECESSITAM REDENTORES.
PENSO CAPTAR ENERGIA FÍSICA, PSÍQUICA, ANÍMICA E DIRECIONÁ-LA PARA O ESTUDO E PARA O AMOR A MÚSICA.
PENSO ATITUDE. PENSO JAZZ, FLAMENCO, ROCK´N ROLL & MPB.

Vídeos:
http://www.youtube.com/watch?v=LZeBxDsjLRM – Zezo Ribeiro – “O que Brilha lá no Céu”

Moska - Pra Poucos e pra Muitos

2010-06-16T10:33:00.000-07:00

A Arte de compor uma bela canção é para poucos. Podem existir milhares de técnicas, conselhos, dicas, mas para se fazer música não existem estratégias, domínios. Combinar uma boa letra com uma adrenada composição então, é para raros. Na expectativa de que muitos conheçam o próximo cd de Paulinho Moska, é que chega essa bem vinda entrevista que realizei com ele por esses dias. Moska, com uma voz de timbre único e com sua maestria e simplicidade na arte de compor, também é fiel à boa versação das palavras. Segue a entrevista:

Moska, prazer falar contigo…

-- O que o trabalho no Programa Zoombido mais te proporcionou em relação ao “entendimento” prático e “espiritual” do processo de composição?

Em resumo, acho que o mais importante em um compositor é procurar sua assinatura, acreditando no seu próprio olhar fazendo disso sua estética. Muitos falaram de uma "conexão" com "um canal" ou "estado perceptivo alterado" como característica primeira da criação. Eu concordo. Compor é "se deixar levar" e "controlar" ao mesmo tempo. Algo que está entre o racional e o espiritual, um meio de caminho, uma ponte...

-- Com todo o contato que teve com os artistas que passaram pelo programa, isso te trouxe alguma influência na feitura do novo CD “Muito” e “Pouco”?

Não saberia apontar exatamente o que me influenciou....acho que fiquei mais exigente em relação ao repertório. Me apaixonei mais ainda pela canção popular, com suas rimas e refrões. "Muito Pouco" é um disco de canções, sem experimentalismos.

-- O que significou e significa pra você o trampo com o “Inimigos do Rei”? O nome “Kafka” e a referência à barata, na música “Uma Barata Chamada Kafka”, teve alguma influência da literatura?

Formei o "Inimigos" com amigos da escola de teatro que cursei aos 18 anos ( CAL/RJ). "Kafka" foi material de estudo na escola e eu encenei alguns textos dele como "O Tatu" e "Carta ao Pai". Era um tempo de muita diversão e juventude... pude conhecer o Brasil inteiro e descobri nossa multiplicidade cultural durante as turnês com o Inimigos. A partir daí desenhei o que eu gostaria de fazer da minha vida: ser um artista brasileiro, ou seja, multifacetado.

-- Na sua “autobiografia” presente em seu site, você diz que ainda busca a comunicação de massa, mas não como objetivo, e sim como motivo. Como é a relação de entrega e transcendência com o público? O fim de um show te traz algum tipo de “pós-solidão”, ou te traz algum outro tipo de arrebatamento?

O fim de um show me dá um cansaço danado!!! Gosto de tocar e de "dar o sangue" nas apresentações...é uma espécie de "catarse"... com suor, respiração, poesia, emoção, sensação de trabalho feito, delícia de fazer música...

-- Qual sua relação com o Violão? Você se permite apurar a técnica, ou seu objetivo é somente inovar artisticamente?

Com o violão também tento buscar uma assinatura, tocar de um jeito meu... não sei se é bom, mas é meu. Não quero ser melhor do que ninguém, quero ter meu estilo. Meus maiores ídolos no violão são assim...não são virtuoses, mas especialistas em si mesmos.

-- Por fim, o novo cd está mais para um “Auto-retrato”, ou retrata mais seu Olhar sobre o Mundo?

Acho que quando faço um autoretrato estou sempre olhando para o mundo.

Links:
http://www.youtube.com/watch?v=ArLL6o9Gyiw&feature=related

Mário Feres - Caminhando nas trilhas da música

2010-06-07T18:44:00.000-07:00

Eis aqui uma entrevista que fiz com Mário Feres. Mário Feres, é nascido em Marília (SP) em 1967; teve sua primeira atuação profissional em 1979, toca piano e violão; compositor, arranjador e produtor musical de formação auto didata.
Além da boa parceria com a cantora Vânia Lucas, conta também com o diferencial de um grande trabalho de arranjador e compositor de trilhas musicais.

Sigam as trilhas da entrevista:

-- Fale-me um pouco sobre seu começo de carreira e evolução na música.

Comecei cedo na música, tocava bateria com 5 anos de idade, fui tocar no programa Almoço com as estrelas do Airton Rodrigues na TV Tupi em 1972;
Mas na verdade isso era mesmo uma diversão de criança, puro prazer, nem eu nem minha família pensávamos em "carreira"; meu pai tinha conjunto de baile com os meus irmãos mais velhos e isso era um tremendo estímulo, eu via os ensaios e imitava-os como qualquer criança;

Com 12 anos sim toquei meu primeiro carnaval ganhando um dinheirinho com meu pai e daí, segui compondo canções pra Festivais de música da escola e da cidade (Marília- SP); nessa época eu já tinha uma banda com amigos e um primo, aí fui tocar trompete que era o único instrumento com o qual eu poderia entrar na banda do meu pai, (os outros que eu gostava já estavam ocupados) no carnaval eu tinha cantado e tocado surdo, instrumento de percussão.

Aos 17 tocava na noite de Marília violão e teclado, às vezes bateria mas fiz vestibular pra odontologia por orientação de meu pai e admiração pelo meu irmão mais velho que já era dentista.
Me formei em 1988 com 21 anos e nunca parei de tocar e amar profundamente a música, fui pra Londrina me aperfeiçoar em Odontologia e lá encontrei uma escola de música na qual dei aulas e estudei com um músico que viria a ser meu sócio de uma escola de música em Marília; essa época já escrevia arranjos empiricamente e muito devagar, pois a notação musical ainda era um obstáculo.
Em 1993 fui pra Ribeirão Preto onde foi exigido muito mais de mim como músico e acabei abandonando a odonto e me dedicando integralmente à música. Foi a época em que mais me desenvolvi como músico, compositor, arranjador e produtor musical; fiquei lá por 17 anos até o ano passado e agora divido Ribeirão Preto com o Rio de Janeiro onde o mercado de trabalho é mais exigente e maior, com mais visibilidade e mais oportunidades, mais concorrência também porém com isso troco com mais músicos e de diferentes formações, conheço melhor esse meu Brasil musical, terra de grandes misturas e temperos musicais infindáveis!
Escrevo trilhas para TV, Teatro, dança e Cinema, componho música popular instrumental e canção, canto, toco piano, violão, um pouco de contrabaixo e percussão, faço arranjos e dirijo gravações de música, amo o que faço e vejo a música brasileira como um grande e valoroso tesouro que temos e que começa a ser cada vez mais bem visto e explorado.

-- Dos instrumentos que você toca, como são suas afeições, significados com cada um deles?

Gosto tanto de música, que gostaria de ter tempo pra me dedicar a vários instrumentos. Toco regularmente piano e violão. Como gravo muito os meus trabalhos, muitas vezes toco também outros instrumentos como escaleta, contrabaixo, viola caipira e percussão; e também canto.
Mas no geral prefiro ter um bom percussionista ao meu lado e os instrumentos necessários pra fazer aquele determinado som! Uso muito as cordas (geralmente quarteto) e os sopros diversos. É sempre melhor tocar com mais músicos!
Tenho paixões individuais por cada instrumento que toco, e no momento que estou tocando sempre imagino que poderia ter mais tempo de dedicação àquele instrumento. Tenho uma queda especial pelo contrabaixo, talvez uma culpa mal resolvida por não ter me dedicado mais a ele!
O violão é um velho companheiro. Me sinto livre para pensar melodicamente quando acompanho nesse instrumento.
O piano é mais senhor de tudo, para escrever arranjos tem de ser no piano. Componho também no piano e sou mais requisitado para tocá-lo. Acho que tem menos pianistas e acabei desenvolvendo especial relação com esse instrumento por amar demais a obra do Tom Jobim.

-- Quais as diferenças principais em compor para uma trilha sonora e para uma música instrumental, por exemplo?

Primeiramente, uma música instrumental pode ser uma trilha. Fazer uma trilha depende de muitos fatores a que se destina essa trilha: cinema, dança, teatro, filme publicitário; De acordo com o "esse tipo" de possibilidade você trabalha com diferentes expectativas e possibilidades de resultado.
Vamos supor que a trilha seja para cinema. Normalmente cinema traz consigo já uma carga de trabalho muito grande, orçamentos grandes e se trabalha normalmente com Orquestra pela grandiosidade e o grau de exigência desse tipo de trabalho.
Escrever para orquestra é trabalho gigantesco e pesado, demorado. Por outro lado é sempre maravilhoso trabalhar assim, a gente se emociona muito quando tem um trabalho desses pela frente, principalmente se o orçamento é bom e você pode contar com uma boa orquestra e bom estúdio de gravação.
Falando um pouco sobre estilo, imagine que a trilha é para dança e o tema do espetáculo e das coreografias seja bem futurista. Certamente teria que contar com sons eletrônicos, teclados, sintetizadores que podem ou não misturar-se a sons acústicos ou da orquestra, dependendo da proposta e do compositor, entende? O ambiente ou "clima" desejado é que definem o tipo de instrumentação e recursos que eu vou precisar para tal.

http://www.myspace.com/marioferes
http://www.youtube.com/watch?v=LuSYjyvyD9k- Show com Mário Féres (piano), Silvio Zalambani (sax), Tiziano Negrello (baixo) e Duda Lazarini (bateria) na Semana de Música da Unaerp- outubro de 2009- Ribeirão Preto

Rivotrill - Descendência musical mundial

2010-05-30T09:05:00.000-07:00

Quando Deuses ampliam-se e tornam-se sons da natureza, Música é criada. Se deuses transformam-se habilmente em Música, não poderíamos deixar de traduzi-la em pensamentos verbais sem antes de falar de Rivotrill. Tremenda sonoridade universal, com a lógica da influência brasileira, africana e muito mais…

Com uma chuva (que não é ácida), o grupo manda torpedos de chuva e sons próximos à um veludo da natureza meditando… O baixista desenhando linhas próximas à um toque de violão de Lenine… O percussionista tocando sua percu-bateria, delineando um som grave como a música pede… E a flauta imprimindo o caminho a ser seguido pelo grupo… Vale a pena conferir:

http://www.youtube.com/watch?v=radXzx_MjNY&feature=player_embedded

Benny Greb - Respirando música

2010-05-23T09:02:00.000-07:00

Benny Greb, um baterista que literalmente respira conforme a música. Quando todos os movimentos estão congruentes com a música e com o espaço vazio entre as notas, se consegue encontrar um músico de alta perfomance e precisão. Extremamente criativo e musical, Benny, no seu último DVD, nos mostra todo o seu universo criativo… Vale a pena conferir “The Language of Drumming”.

http://www.youtube.com/watch?v=znEppPlJMZE - Benny Greb - DVD Trailer
http://www.youtube.com/watch?v=MbrQnwxvWt8&feature=related- Benny Greb - Making Of Grebfruit
http://www.youtube.com/watch?v=ecbM9yZ6Hzk - Benny Greb Brass Band - Trailer / Making Of / new album 2009
http://www.youtube.com/watch?v=eRIpqK5w63w&feature=fvw - Johnny Rabb & Benny Greb_Funny moments at M. festival

O que Foi, já não É mais / O que É, não Foi Jamais

2010-05-03T16:57:00.000-07:00

Aproveito o espaço musical aqui, para divulgar meu primeiro livro. Não é sobre música, mas talvez haja alguma melodia nele.

O Romance chama-se "Pena que Foi Ontem".

Mais detalhes no blog:
http://penaquefoiontem.wordpress.com/

Abrs...

Christiano Rocha – Ritmismo – Entrevista Parte II

2010-04-15T17:46:00.000-07:00

A corda do seu violão quebrou? A baqueta virtual a data expirou? Não há problemas…

Aproveitem a segunda parte da entrevista com Christiano Rocha, recheada de boas informações e leque aberto de influências…

Abrs!

-- Qual o set que você usou? Quais pratos, caixa… Como foi a escolha da caixa e do respectivo som para o disco?

Como a primeira gravação é de 1996 e a última é de 2006, os kits variaram bastante. Boa parte das faixas foi gravada com minha DW Collector’s Series (maple), medidas 10” , 12” , 14” , 16” , bumbo de 20” x 18” e várias caixas, inclusive minha predileta, uma Pearl modelo Steve Ferrone, de 14” x 6 ½”. Usei também uma caixa Pearl free floating de 14” x 6 ½”, uma DW de 5” , uma de 12” da Mapex e uma soprano que peguei emprestada com o Giba. Voltando às baterias, também usei uma Ludwig, que não tenho o hábito de usar, mas era o que tinha no estúdio em que gravei uma das faixas, em Nova York. Usei também uma Yamaha 9000, mas depois que comprei a DW me desfiz dela, apesar de achá-la uma excelente bateria. Minhas referências de som de bateria fogem da linha que vem sendo seguida, que é aquela linha vintage, meio jazzy, que acho bacana também, mas não é “meu som”. Gosto do som de bateria do Teo Lima, do Carlos Bala, do Carlos Vega (principalmente no disco GRP Live in Session), do Simon Phillips (que acho que é o melhor som de bateria atualmente) e também do som de bateria do Vinnie Colaiuta naquele vídeo Zildjian Day in New York. Enfim, gosto de tambores que cantam e pratos com um release controlado e com certo brilho, tipo os K Brilliant. Pratos foram vários. Rides, crashes, splashes, chinas, bells, chimbais. Usei Sabian (HH), Zildjian (A Custom, K e Avedis), Istanbul Mehmet, Paiste, e outros sem marca, que são “péssimos”, baratos e vagabundos, mas que adoro e não os vendo por nada!
Quanto a escolher o “som para o disco”, fui mostrando algumas referências (discos, no caso) para os produtores Cláudio Machado e Adonias Júnior (este último mixou e masterizou o CD), coisa que aprendi com meu amigo Zezo Ribeiro quando trabalhávamos em seu CD Flamencando , que considero um disco belíssimo e atemporal. Na verdade, a equação é simples: captação não funciona para arrumar problema de timbragem – seja devido a “mão” do cara que tocou (ou “não” tocou) ou ao instrumento utilizado; mixagem não é para arrumar problema de captação; masterização não é para arrumar problema de mixagem. Moral da história: se você tirar som do instrumento, o instrumento for bom (bem afinado, com peles novas, sem parafuso solto etc.), a captação for boa (sala, mics e prés de qualidade) a mix e a masterização forem feitas com uma pessoa de confiança, não tem como o disco soar mal. Claro que também entra a parte conceitual e artística, mas aí é outra história.

-- Quais as influências mais marcantes que você e os músicos que gravaram o disco tiveram e projetaram para o mesmo? Foi algo antes de tudo pensado, ou muita coisa surgiu durante as gravações? Quem gravou com você as faixas?

Chamei os músicos que chamei porque queria o som deles, mas se você ouvir o disco provavelmente notará de antemão as referências, influências e “cópias” (de minha parte, no caso), que são claras. Algumas até vindas de outras formas de arte, como o cinema, como é o caso da introdução da primeira faixa, totalmente Blade Runner, feita pelo Emílio Mendonça (tecladista). Ritmismo é um CD meio contemplativo, bom para ser ouvido numa viagem de carro, por exemplo. Posso citar várias referências, minhas e dos músicos dos quais tocaram no disco: Pat Metheny; Lyle Mays; Vinnie Colaiuta; Steve Winwood; Frank Zappa; Joe Zawinul; Manu Katché; Bill Frisell; Rubén Blades (disco Mundo); Arthur Maia (que tocou no CD); os overdubs do Paul Wertico no disco First Circle do Pat Metheny Group; Cama de Gato; Allan Holdsworth; Hermeto Pascoal; Teco Cardoso (que tocou no disco); Dori Caymmi; Zezo Ribeiro (que tocou no disco); Olmir Stocker (“Alemão”); Paulinho da Costa; Carlos Bala; Pascoal Meirelles; Hélio Delmiro; Tania Maria; o samba jazz carioca; Milton Banana; Rubinho Barsotti; David Garibaldi; Rique Pantoja; Cesar Camargo Mariano; Giba Favery (que participou da faixa “Gaia”); Zonazul; Michel Freidenson (que tocou no disco); Teo Lima; Batacotô; Paulinho Vieira (um baterista sensacional, grande influência que tenho, que mora em Ribeirão Preto ); a música do Oriente Médio; as bandas desenhas do português José Carlos Fernandes; Ivan Lins; Milton Nascimento; Renato Consorte (que tem um belo trabalho instrumental e que tocou no disco); o jequibau de Ciro Pereira e Mário Albanese; Max Roach; Terry Bozzio; Steve Smith; lounge; Trilok Gurtu; Maria João; Anggun; Jean Luc Ponty; Steely Dan; Chroma; Elements (Danny Gottlieb e Mark Egan); Bobby McFerrin (disco Bang!Zoom); Miles Davis; Tony Williams; Michael Brecker; Dave Brubeck; Jeff “Tain” Watts; Herbie Hancock; Mike Stern (o disco Voices é uma grande referência que carrego comigo); The Players; Steps Ahead; André Geraissati (que tocou no disco) e seus discos Next e DADGAD; Steve Gadd; Jeff Porcaro; Stewart Copeland; The Police; Sting; Luiz Gonzaga; Azael Rodrigues; Ronaldo Basbaum; Flávio Venturini; 14 Bis; Wander Taffo; Toto; Mike Porcaro; Phil Collins; Gino Vannelli; Michael Sembello; Alejandro Sanz; Alfredo Paixão; Van Halen; Journey; Deen Castronovo; o disco American Garage, do Pat; as frases de prato do Terry Bozzio (se ele ouvir o disco, me processa!); Steve Lukather; Los Lobotomys; Simon Phillips; Torcuato Mariano (que tocou no disco), e que gravou um disco que adoro, Atelier; Dennis Chambers; Mike Clark; Jeff Beck; Arismar do Espírito Santo; o maracatu e os espetáculos populares de Pernambuco; Marcus Miller; Ronny Jordan; música flamenca (buleria, martinete etc.); Paco de Lucia; Vicente Amigo; Chano Dominguez; a Guernica, de Picasso; Mario Boffa Jr (que está no CD); James Brown; Maxwell; EWF; Screaming Headless Torsos; Omar Hakim; Renato “Massa” Calmon; John Patitucci (que tocou no disco); Mozart Mello (que também tocou no disco); as trilhas do Jeff Beal etc. Isso sem falar na influência de todos meus mestres.
O CD contou com a participação de quarenta músicos. Além dos nomes que citei, também participam: Cláudio Machado (costumo dizer que o disco é mais dele do que meu); Adonias Júnior; Adriana Godoy; André Olzon; Celio Barros; Djalma Lima; Edu Ardanuy; Eduardo Queiroz; Eugénia Melo e Castro; Evandro Gracelli; Fábio Augusto; Fábio Luchs; Fábio Santini; Fábio Zaganin; Graça Cunha; Gustavo Martins; José Roberto Gaia (que também assina quatro faixas do disco); Luciano Khatib; Marcelo Pizarro; Márcio Forte; Marcos Romera; Markinhos Tessari; Newton Carneiro; Rubinho Ribeiro; Vitor Alcântara; Walmir Gil e Wanderson Bersani.

-- Como foi misturar as tendências de música progressiva com os ritmos brasileiros? Que outras tendências e influências aparecem no álbum, no seu modo de ver? Algo de música oriental, talvez?

A arte é progressiva. A música, assim como a vida, deve ser progressiva. A música brasileira não é exceção. Ninguém pegou a chave e a jogou fora, portanto, não me preocupo em ter de manter a tradição, apesar de achar muito importante conhecê-la. Detesto ir “by the book”. Não sou muito “certinho”, se é que você me entende. Faço um monte de coisa “errada”, de acordo com os “puristas”. Ótimo!
Quanto a estilos, Ritmismo mistura bastantes elementos, inclusive a música ocidental com a oriental. Essa fusão aconteceu naturalmente, mesmo porque não sou especialista em nada. Apenas adoro música e tenho a sorte de ser chamado para tocar diferentes estilos de música. Também sinto uma enorme necessidade de produzir, que nem sempre é a mesma coisa que trabalhar (afinal, nem todo trabalho, mesmo na música, é produtivo). Acho que o disco reflete tudo isso. Outro estímulo que tive para fazer o disco foi a curiosidade e a constante busca pelo conhecimento, afinal o aprendizado nunca para. Ninguém sabe tudo a ponto de não ter nada a aprender e não sabe nada a ponto de não ter nada a ensinar. Realizar esse projeto foi um grande aprendizado, inclusive no âmbito pessoal. Independente de fusões, buscas e afins, meu objetivo maior é que a música emocione, toque na alma, por isso fiz um disco que eu gostaria de ouvir. Cheguei perto, pois das quatorze faixas, “pulo” apenas três!

-- Qual foi o ritmo que te instigou a começar a tocar e fazer música?

Rock.

Vídeos:

http://www.youtube.com/watch?v=WHzlKZVjEhA - Christiano Rocha com Corciolli - Dvd

http://www.youtube.com/watch?v=7Zdsilu0sJ8 - Adriana Godoy e Christiano Rocha - Vento Bravo

http://www.youtube.com/watch?v=aMz9DvrvpTg&feature=related - Christiano Rocha Quarteto - "Armando's Rhumba

Dave Matthews & Tim Reynolds

2010-04-15T17:18:00.000-07:00

Mais uma dos irmãos de som Dave Matthews e Tim Reynolds. You & Me, cai bem à união musical dos dois. Tirada do último cd da Dave Matthews Band, You & Me mostra mais uma faceta da engrenagem acústica dos dois...

http://www.youtube.com/watch?v=CX4ddonsbjM

Michel Leme – Dos “5º”s cds do mercado, este, o 1º, o mais “Novo”

2010-04-05T17:07:00.000-07:00

Grata surpresa foi poder ver neste último sábado, a apresentação do grupo do Michel Leme no Bar “Jazz nos Fundos” com Sidmar Vieira (trompete), Alexandre Mihanovich (baixo) e Arismar do Espírito Santo (bateria).… Rolou de tudo nos temas, e principalmente nas improvisações… Minúsculas citações, como Beethoven… Arismar e Michel puxando uma surf music… rs… E uma versão possuída de “Maiden Voyage”…

E pra celebrar tais momentos, segue uma pequena abreviação do último disco de Michel Leme, que nos conta aqui como foi o processo de gravação do cd… Que mais uma vez inova e quebra barreiras, barreiras que os verdadeiros artistas nem sabem que existem, pois passam por elas sem nem mesmo percebê-las e nem aprisionando a si mesmos por elas…

Um dos maiores destaques do cd, não poderia deixar de ser, é a presença contínua de dois bateras tocando ao mesmo tempo!

Fala aí Michel:

“5°” é o meu quinto disco lançado de forma independente. Este teve o apoio cultural das marcas: D’Addario, Nux, Rotstage, Playtech, espaço Sagrada Beleza, EM&T e Sho’You (áudio e vídeo).

Quem toca: Bruno Migotto (baixo), Bruno Tessele (bateria e percussão) e Waguinho Vasconcelos (bateria e percussão). O disco traz 6 músicas inéditas e uma faixa bônus (também inédita) em vídeo.

Tivemos duas sessões de gravação. A primeira aconteceu no dia 17 de setembro de 2009, no Estúdio Cantareira e foi captada pelo Ricardo Marui. Essa sessão foi em trio: eu, Migotto e Waguinho.
Valeram duas músicas: “3 Notas” e “Blues de Ocasião”.

Para a segunda sessão, que aconteceu em 30 de Outubro de 2009 no auditório da EM&T, tive a idéia, uma semana antes, de gravar com duas bateras. Aí chamei o Bruno Tessele que já havia tocado esse repertório comigo e o Migotto. O Waguinho e o Tessele não se conheciam até então e, no momento da gravação, eles foram apresentados um ao outro, o que quer dizer que não deu tempo de ensaiar ou planejar nada - o que eu achei ótimo, porque essa música soa mais honesta assim. Para captar e traduzir em som o espírito do momento é necessário que todos ouçam o que está sendo tocado na hora com toda a concentração; isso faz com que ninguém ligue o “piloto automático” e a coisa soe realmente musical. Sinto que o que se ouve nesse disco é algo com esse espírito.
Gravamos todos juntos, valendo, e sem quaisquer correções depois.

A sessão da EM&T foi captada pelo Flávio Tsutsumi e o disco foi mixado e masterizado por ele e por mim. A arte tem fotos da Vanessa Saad e do Flávio Tsutsumi. A letra que se lê no encarte e na capa é a minha e a bela aquarela da capa foi pintada pela amiga e artista plástica Cinthia Crelier – que pintou ouvindo a primeira mix do disco.

As músicas:

“Deixem o Coltrane em Paz” é um ¾ que faz referências a algumas músicas gravadas pelo (cabem aqui mil adjetivos) John Coltrane como “Afro Blue” e “My Favorite Things”. O título veio à minha mente porque em alguns papos de músicos tudo é o Coltrane: Coltrane isso, Coltrane aquilo... Claro que é melhor ter um cara desse como referência do que a Ivete Sangalo... Mas o que incomoda, de fato, são os caras que apenas se escondem atrás de caras como o John Coltrane e outros grandes, ao invés de parar de falar e se concentrar em sua própria música.

“Samba dos Excluídos” é um tema que estava pra sair já faz alguns anos e só se concretizou em 2008. Eu ouvia na mente algo parecido com a melodia da parte A, aí tentei passar a idéia para a guitarra - honestamente, não sei se o fiz fielmente. Mas a idéia, ou pelo menos o caminho da frase que eu tinha na mente, é o que se ouve no CD. O título tem a ver com o seguinte: revolta-me viver num mundo que tem a maioria de sua população como uma multidão de excluídos, totalmente sem perspectivas ou condições mínimas de vida. E o que a mídia (o alto-falante das classes dominantes) faz ao anestesiar as pessoas reduzindo esta enorme tragédia a histórias pessoais, mostrando 01 família que está na miséria em algumas cenas com fundos musicais patéticos, é um dos exemplos da manipulação cuidadosamente pensada para que ninguém sinta a gravidade da situação real. Fiquemos espertos!

“Chica Hermosa” é um chachacha, ritmo o qual eu adoro, porque soa um tanto quanto, eu diria, cafajeste. Faço músicas assim pra tirar uma onda e rir pra cacete, mas acabo tocando-as por aí porque têm uma forma gostosa pra improvisar e uma melodia que fica na mente.

“Aos Poucos” é um tema composto pelo Bruno Migotto. Não sei qual a história dessa composição, mas ela tem a mesma harmonia do “I Got Rhythm” do Gershwin, conhecido pelos músicos como “rhythm changes”. Gostei muito desse tema quando toquei no septeto do Migotto (recomendo ouvir o belo disco recém-lançado dele, o “In Set”) e por isso começamos a tocá-lo nos sons que fizemos por aí antes de gravar. Acho que combinou com a idéia desse trabalho.

“3 Notas” tem o andamento mais rápido que já gravei. A estrutura é parecida com a do “So What” do Miles Davis, só com a segunda parte em outro tom. O tema tem 3 notas principais: C, B e A; o restante é improvisado.

“Ananda Moy Ma” foi um tema que nasceu do ímpeto que tive em fazer uma homenagem a essa santa da Índia. O capítulo do livro “Autobiografia de um Iogue” de Paramahansa Yogananda no qual ele conta os encontros que teve com ela (a quem ele descreve “Saturada de Bem-Aventurança”) me inspirou. Essa composição, muito simples, com apenas duas partes, nasceu numa das primeiras transmissões que fizemos na TV Cia da Música, no que viria a ser o programa Michel Leme & Convidados - que ficou no ar de novembro de 2007 a Dezembro de 2009. Nessa ocasião, eu estava tocando com o Digão (bateria) e o Deco (baixo) e o tema aconteceu na hora, ao vivo. Foi um momento muito feliz, sinto-me muito grato. Na gravação do CD, com as duas bateras, rolaram partes que nunca tínhamos tocado, na intro e no final – nada combinado também. Fiquei muito feliz por ter registrado isso, porque ao vivo nunca será igual.

Enfim, convido a todos para que ouçam o “5°” e agradeço pela atenção.
Um grande abraço e muito som pra todos!

Michel Leme
website: http://www.michelleme.com/

http://www.youtube.com/watch?v=sZmi2wgyL9g - Lançamento do cd 5º

Christiano Rocha – Ritmismo – Entrevista Parte I

2010-03-18T15:30:00.000-07:00

Ritmismo, CD capitaneado pelo baterista Christiano Rocha, é uma obra extremamente instigante pelas várias vertentes musicais presentes. Idealizado com muito bom gosto, Ritmismo mostra que Christiano e sua trupe não se intimidam em criar uma música que rompa com estruturas e que ao mesmo tempo consiga deixar-nos repletos de espaços novos para circular a criatividade.
Vejam mais nessa primeira parte da entrevista um pouco sobre a gravação do cd e abaixo vídeos e links de Christiano… Abrs!

-- Com quais projetos musicais (gravação, ao vivo) você está envolvido no momento?

Continuo “insistindo” com meu quarteto, composto pelos senhores Cláudio Machado (baixo), Bruno Alves (teclados) e Fábio Santini (guitarra), músicos excepcionais com quem tenho muito orgulho em tê-los comigo. Já fizemos alguns shows, como no Sesc São José dos Campos, Auditório da EM&T, Teatro Décio de Almeida Prado, Willi Willie Bar, além de um programa na TV Cia da Música (Programa Edu Letti).
Acabou de sair do forno o segundo CD da cantora Adriana Godoy, Marco, no qual gravei sete faixas e assinei a co-produção. É um disco de música brasileira e tem a participação do Triálogo, com o excelente Percio Sapia na bateria, além de Filó Machado, Léa Freire, Daniel D’Alcântara, Cláudio Machado, Débora Gurgel (que assinou os arranjos e a direção musical) e Itamar Collaço, entre outros. Em breve, deveremos começar os shows de lançamento.
Gravei o CD Lightwalk, do tecladista Corciolli, que é um trabalho mais na linha do chamado new age e world music (se bem que toda música é world, afinal todos nós fazemos parte de algum mundo, geralmente o mesmo!) mesclado com pop, metal e rock progressivo. O trabalho contou com Tony Levin, Naná Vasconcelos, Andre Matos, Ulisses Rocha, Marcus Viana, Sylvinho Mazzuca, Renato Martins, inclusive meu parceiro Cláudio Machado (baixista), com quem toco há mais de vinte anos. Em breve sairá o DVD também, que é o registro do primeiro show que fizemos, no Auditório Ibirapuera, em São Paulo.
Saíram duas coletâneas das quais fiz parte, completamente antagônicas. Uma do saudoso Wander Taffo, num CD duplo (Wander Taffo), em que foram utilizadas duas faixas do CD Ritmismo: “Na Estrada”, composta pelo Wander, e “Sons do Silêncio”, uma bela balada. Aliás, tive a felicidade de entrar na Banda Taffo. Chegamos a fazer um ensaio e ficamos todos muito animados, mas aí o Wander nos deixou. A outra coletânea é da cantora Eugénia Melo e Castro (DuetosX16), um disco meio “Brasuca hi tech” (tipo samba com chibal de 12” ), apesar de ela ser portuguesa. Gravei três faixas, duas com o Chico Buarque e outra com a Adriana Calcanhoto. O CD conta também com Tom Jobim, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Gal Costa, Gonzaguinha (minha faixa predileta), Ney Matogrosso, Carlos Lyra, Simone e Paulo Jobim.
Recentemente, toquei com a orquestra Arte Viva, do maestro Amilson Godoy. Trabalho regularmente com uma banda que toca no circuito noturno de São Paulo, como o Bourbon Street, eventos, casamentos, formaturas, o que vier. Também faço alguns shows com o cantor e compositor Peninha, além de “subs” para alguns de meus colegas e amigos (Karnak, Havana Brasil, Marisa Orth etc.). Às vezes toco “de curtição” numa banda que interpreta músicas do guitarrista Carlos Santana, o Kaduna, que tem um congueiro e um timbaleiro magníficos (Enio Di Bonito e Markinhos Tessari, respectivamente).
Acho importante ressaltar que já passei (e provavelmente ainda vou passar) por fases com pouquíssimas gigs. Isso acontece, é normal, faz parte de nossa profissão, mas não podemos desanimar e nos deixar abater. Acho que devemos manter, dentro do possível, uma atitude positiva. Faz parte do jogo.

- Como foi a ideia e consecução da gravação do CD Ritmismo? Como foi esse processo, que foi dado em cerca de 6 anos?!

A resposta “normal” seria “ah, foi um barato”, mas, na verdade, foi um processo lento, às vezes frustrante (principalmente quando acabava minha grana) e doloroso – desde mexer naquela música que traz à tona sentimentos e pessoas guardados convenientemente numa caixa lacrada e empoeirada, no fundo do coração, até ter de encarar suas limitações, como músico e ser humano. Não tem jeito, crescer dói! Como dizem, envelhecer é inevitável, crescer é opcional. Em contrapartida, quando você ouve o trabalho pronto, é muito gratificante. Carrego alguns arrependimentos sim, mas fazer esse disco certamente não é um deles. É comum ouvirmos alguém falar que seu primeiro CD não ficou como queria, mas, definitivamente, não foi o meu caso. O CD ficou melhor do que eu havia sequer sonhado, graças ao talento e a generosidade das pessoas envolvidas no projeto, além de uma pré-produção detalhada e uma pós-produção cuidadosa, feita sem pressa. Uma das coisas que aprendi com os grandes produtores é que é fundamental chamarmos as pessoas certas (não tem como um solo do Arthur Maia ficar “meia boca”, por exemplo). Enfim, a consecução foi bem mais prazerosa que a ideia em si, que beirou o traumático.

-- O músico sempre está na busca do timbre perfeito, principalmente o baterista. Notei uma grande “aderência” do som dos outros instrumentos à sonoridade da bateria e de cada nota tocada. Como foi esse processo de maturação dos arranjos? Foi tão longo quanto o tempo para o lançamento do cd?

Uma boa timbragem é vital. Faz toda a diferença. Assim como a concepção de timbragem, o processo de maturação dos arranjos, pré-produção e pós-produção foi longo e muito bem pensado. Sou muito criterioso em tudo em que ponho a mão (lê-se “chato”), ainda mais quando sou eu quem assina, pois se algo der errado, a culpa é minha! Os arranjos, as formações, os timbres (não só de bateria) foram muito bem escolhidos. Existem, por exemplo, timbres de teclado com cinco sons diferentes somados. Tudo isso demanda tempo e paciência. Mesmo assim algumas coisas tiveram de ser regravadas. Tudo foi pensado (ou sonhado), analisado, discutido e posto em prática. Não teve esse lance de “vamos tocando, ‘sentindo’ e ver no que dá”, no meio das sessões de gravação. Não tenho nada contra esse tipo de processo, apesar de que no Brasil parece que é feio ensaiar e maturar um som. Não sou genial e tenho minhas limitações. Se músicos como Pat Metheny, Frank Zappa, Hermeto Pascoal, Olmir Stocker e Chick Corea, que são geniais, ensaiaram e pesquisaram exaustivamente, porque um cara normal que nem eu não faria o mesmo?
Acho que em tudo na vida precisamos ter referência. Depois que você prova uma mostarda Dijon fica difícil engolir a mostarda de saquinho do Mac Donald’s, assim como casar com a primeira namorada deve ser meio complicado. O triste é que os padrões parecem piorar. De Big Brother às relações interpessoais.

http://www.youtube.com/watch?v=hhJiBx7hRH8 - Circular Paulista
http://www.christianorocha.com/ - no link Ritmismo – download da faixa título
http://www.myspace.com/christianorocha

Paulinho Moska - "Tudo novo de Novo"

2010-02-20T06:24:00.000-08:00

Já antecipando o gosto dos próximos sabores a serem apreciados no novo álbum de Paulinho Moska ('Muito' e 'Pouco'), deixo aqui com vocês, a letra e alguns vídeos do disco "anterior", o "Tudo Novo de Novo", disco que pra mim é uma pérola...

TUDO NOVO DE NOVO
Letra e Música: Moska

Vamos começar
Colocando um ponto final
Pelo menos já é um sinal
De que tudo na vida tem fim

Vamos acordar
Hoje tem um sol diferente no céu
Gargalhando no seu carrossel
Gritando nada é tão triste assim

É tudo novo de novo
Vamos nos jogar onde já caímos
Tudo novo de novo
Vamos mergulhar do alto onde subimos

Vamos celebrar
Nossa própria maneira de ser
Essa luz que acabou de nascer
Quando aquela de trás apagou

E vamos terminar
Inventando uma nova canção
Nem que seja uma outra versão
Pra tentar entender que acabou

Mas é tudo novo de novo
Vamos nos jogar onde já caímos
Tudo novo de novo
Vamos mergulhar do alto onde subimos

http://www.paulinhomoska.com.br/

http://blogdomauroferreira.blogspot.com/2009/12/moska-planeja-lancar-muito-e-pouco-em.html

Vídeos:

http://www.youtube.com/watch?v=gXwFZ_xeVHw - Tudo Novo de Novo - retirado do DVD
http://www.youtube.com/watch?v=YCD5MmU0qf4 - Paulinho MOska e Céu no Programa Zoombido

Por falar em Sebastiaan De Krom

2010-02-15T08:01:00.000-08:00

Para falar de Sebastiaan De Krom, baterista, é preciso antes falar de Jamie Cullum, cantor, pianista, compositor e artista, cuja banda Sebastiaan faz parte – e faz sua parte com esmero.

Jamie é o típico ser criativo que tem dons que brotam das entranhas, e que se não conseguisse expressar-se ao vivo e na música da maneira na qual se projeta e se lança, alguma coisa de muito séria poderia acontecer….rs

E para acompanhar seres assim, de instintos musicais exacerbados, só músicos de categoria elevada, como Sebastiaan, que tem aquela qualidade única que poucos músicos tem, que é a de saber e poder transitar por vários estilos musicais sem perder sua dinâmica musical e seu impacto. Ele caminha livre por entre os amálgamas formados pelas composições de Jamie, que rodam em torno das influências do Pop e do Jazz.

De Krom acompanha a banda com elegância e pressão, totalmente absorvido na música, tocando totalmente “para” e integrado à música.

Abrace as imagens mnemônicas que irão colar à sua mente, aqui:

http://www.youtube.com/watch?v=h1SSKe3zxbg - Jamie Cullum - I Get A Kick Out Of You – Sebastiaan, e Jamie com seu jeito percussivo-expansivo de ser

http://www.youtube.com/watch?v=cYfCDf7DxV0&feature=player_embedded#at=47 - Sebastiaan De Krom, Bart Defoort & Emanuele Cisi Quintet

http://www.youtube.com/watch?v=Zn96qX9XQOk - Jamie Cullum Next Year Baby & Wind cries Mary (Live At Blenheim Palace)

http://www.youtube.com/watch?v=3RUTgB07J_U - Jamie Cullum - I'm All Over It Official Video – tirada do novo album The Pursuit

Heraldo do Monte – Uma “Escola” Viva

2010-02-06T19:50:00.000-08:00

Há músicos extraordinários que sempre irão soar contemporâneos aos nossos ouvidos. Um desses grandes nomes está aqui nesta entrevista especial. Heraldo do Monte. Clássico da música brasileira, guitarrista, compositor, arranjador, e que também toca cavaquinho, viola e contrabaixo, e além de tudo nos presenteia com sua voz que fala aqui um pouco sobre sua história. História permeada pela aventura musical com seus companheiros Hermeto, Airto Moreira e Théo de Barros, o Quarteto Novo.

-- Heraldo, como funciona para você a pesquisa da guitarra brasileira abrangendo os ritmos? Quais foram suas principais fontes musicais? Alguma que fora reciclada, sucateada, ou eliminada, com o passar do tempo? (risos...)

Eu não precisei pesquisar, pois cresci rodeado de repentistas de viola, banda de pífanos e de frevo, além das melodias do Luiz Gonzaga. Quando nós (Hermeto, Theo e Airto) nos juntamos para mudar o jeito de improvisar, foi só lembrar dos sons desse pessoal. Mas como a gente tem educação musical mais sofisticada do que eles, tivemos o cuidado de pegar a essência, sem imitá-los. Seria falso. Ah, o nome dessa turminha é Quarteto Novo.

-- O que você pensa a respeito do fraseado do jazz em cima de um samba, baião? Na hora de improvisar, é importante sempre respeitar a linguagem de determinado estilo, ou é possível utilizar-se de “ferramentas” como a linguagem do bebop para solar num samba, por exemplo?

Pode-se usar Bebop em Samba, assim: Um bom improvisador não fica alheio ao que está acontecendo com os outros músicos no palco, mas escuta cada intenção sonora deles. Sendo assim, vai responder às acentuações do samba, o que vai "forçar" uma linguagem brasileira. Se ele for surdo ao que está acontecendo, fica horrível, em qualquer gênero de música. Eu mesmo, uso (em samba) elementos de Bebop, com mistura de choro e outras coisas brazoocas. Dá para se perceber no Giant Steps (que você pode ouvir no www.myspace.com/heraldodomonte). Falando em Giant Steps, já notou como se grava tanto essa música ou só com bateria, ou só com contrabaixo? Será porque assim o solista pode mentir numa boa? Ou faz um arranjo que faz com que ele "fuja" dos primeiros compassos? Eu tive a coragem de colocar uma guitarra fazendo os acordes no fundo, dá para perceber que está tudo certinho. Quando a música tem um acorde só, depois de algum tempo fica monótono. Aí eu uso o recurso serial. Doze sons da cromática, em qualquer ordem, de preferência não repetindo nota, pelo menos no mesmo compasso. É difícil não repetir, mas eu tento...

-- Muitas pessoas apontam você como criador de uma “Escola” de guitarra brasileira. O que você acha disso?

Não é por genialidade minha, ou coisa parecida. Apenas tive a sorte de viver numa época e participar de um grupo de músicos que tinha uma espécie de missão auto-imposta. Como resultado: Você pode fazer uma grande pesquisa acerca de gravações de improvisos de músicos (qualquer instrumento) de antes de 1967 e depois de 1967. Não arranjos ou composições, só improvisos. Principalmente músicos urbanos usando climas nordestinos. A gente abriu uma porta que estava na cara, mas ninguém "se tocou". Sorte, né?

-- No “choro”, já existia algum sinais de improvisação há muito tempo atrás, e hoje, algumas escolas de choro não dão muita importância à improvisação. Qual sua opinião sobre o assunto?

O "chorão" tem duas opções: Ou ele improvisa bem, ou passa a falar mal de quem improvisa. Simples... Hamilton de Holanda prefere improvisar. Quem vos fala, também.

-- Vendo você tocar guitarra, percebe-se algumas inflexões parecidas com o modo de solar de um cavaquinho, um bandolim... Estou certo disso?

No meu bairro (Mustardinha, Recife), ainda moleque (já tinha juntado os instrumentos de cordas ao clarinete), eu costumava participar de rodas de choro, tocando cavaco e bandolim. Quando ia dormir, chegava em casa, e os sons das gafieiras, com Jacob e Waldir, iam me fazendo sonhar. Quando improviso, deixo tudo correr solto, e não vou censurar uma coisa tão boa, certo?

-- Como foi tocar e conviver com Hermeto Pascoal?

Conheci Hermeto tocando sanfona no regional da Rádio Jornal do Commercio do Recife (Commercio com dois m, mesmo!). Sempre criativo e derrubando as barreiras do estilo. Convidei-o para tocar piano no grupo de uma casa noturna, o Delfim Verde, na Praia da Boa Viagem. Nasceu uma admiração mútua e uma afinidade muito grande, musical e pessoal. Depois nos encontramos em Sampa e continuamos a trabalhar juntos na noite. Nós não tínhamos ainda feito nada de importante na música... O Hermeto ainda não era famoso e isso fez com que a gente vivesse uma fase muito divertida; O Hermeto sempre tocou muito bem, até aí nada de mais. Mas o bom mesmo era quando ele começava (toda noite tinha esses momentos) a imitar um músico muito, muito ruim. Harmonias horríveis, acentuação ridícula, tudo junto. A gente ria de chorar (ou chorava de rir...rs) e os frequentadores não percebiam por quê! Depois, veio o Quarteto Novo e acabou a graça... o resto é conhecido.

Entrevista realizada por Caio Garrido com grande colaboração do guitarrista Alexandre Peres.

Vídeo e site:
http://www.youtube.com/watch?v=9l37msc-4No

http://www.myspace.com/heraldodomonte

Os solos mais marcantes da História do Jazz

2010-01-24T08:55:00.000-08:00

Olá, pessoal...

Gostaria aqui de convidar os possíveis leitores deste blog para uma enquete poderosa:

Quais foram, na opinião de vocês, os solos mais marcantes da História do Jazz... ?

Vou postar aqui neste mesmo post, as impros mais votadas, com o nome de quem votou, o instrumento do artista votado, o próprio instrumentista, o nome da música, e o disco em questão...

Abrs...
Caio

Seguem os solos escolhidos por alguns de nossos melhores leitores:

por Alexandre --

http://www.youtube.com/watch?v=9l37msc-4No -

solo de Heraldo do Monte

por Michel Leme --
- Wayne Shorter em "ESP";
- John Coltrane em "Bye bye blackbird" com Miles Davis em 1958;
- Sonny Rollins em "B Quick" do disco Tour de Force.

por Érico Cordeiro --
- Lucky Thompson, em I Forgot To Remember, do disco Lucky Strikes;

- Idriss Sulieman, em Juicy Fruit, do disco The Hawk Flies High (de Coleman Hawkins);

- Dizzy Reece, em Starbright, do disco Flight To Jordan (de Duke Jordan);

- Oscar Peterson, em People, do disco We Get Request;

- George Coleman, em There Is No Greater Love, do álbum Four & More (de Miles Davis);

- Donald Byrd, em Up A Step, do disco No Room For Squares (de Hank Mobley);

- Chick Corea, em Rhythm-A-Ning, do disco Trio Music;

- John Coltrane, em But Not For Me, do disco My Favorite Things;

- Freddie Hubbard, em The 7th Day, do disco The Artistry Of Freddie Hubbard;

- Dexter Gordon, em A Night In Tunisia, do disco Our Man In Paris;

- Cannonball Adderley, em Straight, No Chaser, do disco The Cannonball Adderley In San Francisco;

- Grant Green, em Ezz-Thetic, do disco Solid;

- Keith Jarret, em If I Were A Bell, do disco At The Blue Note - The Complete Recordings (Vol. II).

- Miles Davis, em So What, do disco Kind Of Blue;

André Mehmari – Aliando Sentimento e Criatividade

2010-01-21T13:35:00.000-08:00

Para abrir o leque de entrevistas deste começo de Ano-Véspera de uma nova década musical (assim espero) com chave-de-ouro aqui neste blog, tenho o grande prazer de anunciar que a primeiríssima entrevista deste ano bom de 2010 será realizada com um dos mais “estonteantes” pianistas e músicos da nossa geração. Singularidade e extremo bom gosto nas suas composições, apresentações e execuções, André, através da entrevista a seguir, demonstra todas sua humildade, solicitude e atenção.

André Mehmari, uma aula de improviso e intuição, é um músico que colhe sementes dos mais variados estilos musicais. Ele, nascido em Niterói, e com grande parte de sua vida musical desenvolvida e iniciada em Ribeirão Preto, fundiu em sua carreira, com grande maestria, diga-se de passagem, vários ingredientes musicais, como o Jazz, Música brasileira e o Erudito. Compositor, e excepcional arranjador, tem em seu Piano e em sua técnica soberba, o tapete onde se apoia, mas é um pianista daqueles que tem algo mais a mostrar, que consegue expressar através de sua música um chamado mais profundo de alma e vigor musicais, que faz com que todos os seus ouvintes tornem-se imediatamente “letrados” em música, por sua capacidade de cumprir a tarefa difícil de tocar música complexa com excelente qualidade para proporcionar a qualquer ouvido treinado ou destreinado uma bela degustação.

Através desta entrevista abaixo, ele nos conta mais um pouco sobre si, sobre sua música e projetos futuros. Aproveitem!

-- Olá André, grande prazer poder dividir este espaço com você. Fale-me um pouco dos músicos e pianistas que lhe são referência e te inspiram sempre...

Pianistas: Egberto, Ernesto Nazareth, Luis Eça, Bill Evans, Keith Jarrett, Thelonious Monk, Herbie Hancock, Lyle Mays, Paul Bley, Bobo Stenson... outros que não me recordo agora. Tenho vários pianistas 'clássicos' que são referência de sonoridade e acabamento expressivo: Nelson Freire, Guiomar Novaes, Cziffra, Perahia, Rosalyn Tureck, Gould, Maria Tipo, Marta Argerich e tantos outros...
Músicos são tantos... a grande escola da canção brasileira (Caymmi, Jobim, Chico, Milton, Guinga e muitos outros) e a grande tradição européia, desde palestrina até ligeti. Sou muito eclético e escuto de tudo, desde que seja bom.

-- O bom traquejo no piano depende mais da vontade, do dom,..., ou uma sensibilidade mais afinada com o ser interno?

Depende de tudo isso que você falou, além de muito trabalho e perseverança. É preciso nutrir-se de experiências para poder transformar em musica.

-- Uma boa dose de esforço sempre é necessária para tocar e se apresentar... Com a necessária percepção, memória e complexidade exigida para se tocar uma música instrumental de alto nível, o esforço psíquico a se despender neste processo é algo natural para você?

Acho que é sempre um desafio fazer música de alto nível... Mas nunca me senti exaurido ao final de um concerto, na verdade. Aliás, quando a música e o som são bons, tenho vontade de nunca parar e seguir tocando noite adentro!

-- Nos momentos de gravação, o que você utiliza ou “ainda” utiliza em termos de instrumentos? Você se utiliza de outros tipos de piano, teclado, ou usa única e exclusivamente o piano de cauda?

No recente álbum... “De arvores e valsas”, usei uma infinidade de instrumentos além do piano como : clarinete, flauta, viola, violino, bandolim, bateria, contrabaixo, percussão, rabecas, sanfona, piano rhodes, violão, cravo e voz. Uso sempre o piano de cauda, pois não atinjo os resultados com piano de armário, que é outro instrumento completamente diferente em termos mecânicos. Uso o cravo e o piano elétrico Rhodes, que trago comigo desde a adolescência.

-- De maneiras gerais, qual é um critério utilizado por você e sua equipe para obter o resultado sonoro final de uma produção e gravação de um cd? No nicho instrumental, você observa muita diferença na produção e gravação dos CDs gravados aqui no Brasil, em relação à qualidade existente no exterior?

Não. Acho que o Brasil já chegou num patamar de qualidade para competir no mercado internacional, tanto pela qualidade artística (sempre teve), quanto técnica. Eu mesmo tenho sido o produtor e engenheiro de som de meus recentes projetos e tenho recebido elogios de gente entendida. Não posso deixar de dizer que há bem pouco tempo atrás tínhamos muito problema com a qualidade sonora de nossos CDs... Alguns discos chegam a dar tristeza, tamanha a discrepância entre música (boa) e som (terrível). Meu critério é sempre a busca da qualidade máxima e meus parceiros musicais geralmente compartilham deste perfeccionismo todo, o que é bom!

-- No disco “Nonada” com o Quinteto, o que te inspirou em fazê-lo, desde as escolhas dos músicos, repertório? Quais os próximos vôos a que você pretende alçar e lançar neste ano?

Gosto muito deste álbum. Na verdade ele foi gravado no final de 2004 e só lançado recentemente. Todos participaram da escolha do repertório. Eu contribuí com algumas re-harmonizações, mas todos os músicos tiveram papel ativo na composição dos arranjos.

Temos pra 2010 planos de lançar um novo álbum com o Hamilton de Holanda, já parcialmente gravado, totalmente dedicado à música de Hermeto e Egberto. Tenho ainda vontade de lançar um piano solo de improvisações, mas também muito da minha música de câmara que nunca foi gravada, como o Quinteto Angelus.

Vídeo de uma composição própria- Lachrimae
http://www.youtube.com/watch?v=ziYPgOGNrV8&feature=related

Vídeo de Andre Mehmari Trio - Eternamente – Dindi:
http://www.youtube.com/watch?v=vktJ_kHLJqo

Nesse vídeo, ele toca uma bela composição de Edu Lobo e Chico Buarque:
http://br.youtube.com/watch?v=KM0oSeAu5V4

Aqui, em forma fantástica com Suíte Clube da Esquina:
http://br.youtube.com/watch?v=LYqlYsZyw38

Mais informações:
http://www.andremehmari.com.br/
http://www.myspace.com/andremehmari

Paul McCartney - Jovialidade de um Mestre

2010-01-15T07:23:00.000-08:00

Para iniciarmos o ano bem, aqui no blog, nada melhor do que destacarmos o melhor músico, compositor da música "pop" de todos os tempos:

Mr.Paul McCartney...

Esse cara sempre será contemporâneo!

http://www.youtube.com/paulmccartney

http://www.youtube.com/paulmccartney#p/u/0/DIgwLW0YlqA - (I want to)come home

http://www.youtube.com/paulmccartney#p/u/1/SfKpSKAE3MQ

Vitor Alcântara – Uma nota em seu Sax valendo mais do que “Mi” em palavras

2009-12-11T08:36:00.000-08:00

O saxofonista Vitor Alcântara é um dos nomes mais tradicionais no meio instrumental paulistano atual. Com destaque para suas atuações no grupo Sinequanon, sempre consegue exprimir suas diversas influências nas gigs em que participa, com grande inteligência e originalidade.
A seguir, uma pequena entrevista que realizei com ele este mês. Aproveitem...

-- Fale-me de seus projetos atuais.

Estou no processo de masterização de um Duo (sax tenor e baixo) com o Zeli, que deverá sair no começo do ano que vem (2010). Continuar tocando com a SoundScape Big Band, Banda Jazzco, Sinequanon, SCVD, Zeli Quinteto, e continuar lecionando nas Faculdades Souza Lima/ Berklee e Cantareira.

-- Quais foram suas maiores influências aqui no Brasil e no exterior?

Tocar com diferentes músicos, grupos e situações. sem esquecer da Banda Mantiqueira, Silvio Mazzucca, Pixinga, Zérró Santos, Vera Figueiredo e outros tantos. No exterior, os de sempre J.Coltrane, Dexter Gordon, Michael Brecker, Hank Mobley, Jonny Griffin... atualmente Chris Potter, Greg Osby, Dave Holland, etc.

-- Qual é a função da repetição na música pra você? (Repetição aqui não no sentido ruim da palavra, mas como uma ferramenta para a melodia, para a improvisação)

A repetição é fundamental para registrar as informações que vão ser manipuladas durante o processo de execução da música, tanto na improvisação como em qualquer outra situação.

-- Pretende algum dia “lançar mão” de algum projeto musical de contorno estético, estilístico, diferente do usual?

Sempre que possível, aceito propostas e convites para fazer experimentos.

-- O que você acha da atual produção artística e educacional da música instrumental no Brasil?

Faltam espaços e oportunidades para se gravar mais.

-- Você não acha que falta uma maior produção das chamadas “Video-Aulas” em formato DVD, produto pouco explorado no país?

Com certeza, mas não acho o mais importante para o aprendizado.

-- Como foi sua prática de sax e a escolha do instrumento em seu início?

Comecei estudando piano, e quando tinha 20 anos optei pelo sax.

-- Em uma Nota Musical, defina a Música para você...

SOL

http://www.myspace.com/vitoralcantara

Entrevista com Lupa no Clube de Jazz

2009-12-06T14:51:00.000-08:00

Segue link da entrevista realizada pelo blog Música Contemporânea com o guitarrista Lupa Santiago, entrevista publicada no site Clube de JAZZ.

http://www.clubedejazz.com.br/noticias/noticia.php?noticia_id=843

Michel Leme – Sacudindo as estruturas da Música

2009-11-16T12:38:00.000-08:00

Michel Leme, um artista que valoriza a arte em sua plenitude. Guitarrista desde os oito anos de idade, põe seu leme a nadar e a cantar, e trabalha a virtude, o prazer e o compartilhar de sua arte à serviço da música.

Trato despojado e refinado à música, que pode ser encontrado em um dos seus trabalhos mais recentes, o “Michel Leme & A Firma”.

Em sua discografia, podemos encontrar grandes parceiros musicais, que costumeiramente estão com ele em seus projetos, como o Thiago do Espírito Santo e Alex Buck.

Inserido nesse vasto universo musical, Michel congratula seus ouvintes sempre com inspiradas improvisações, com o expoente natural de que música boa é música ao vivo.

Com sua autêntica visão e tom filosófico, expõe nessa entrevista, um pouco de seus pensamentos e rumos musicais a que está se enveredando atualmente:

-- Quais são os trabalhos e projetos que mais estão mexendo atualmente com você?

Estou mixando meu disco novo, que gravei nos dias 30 de outubro e 16 de setembro. Gravei com o Bruno Migotto (baixo), Bruno Tessele (bateria) e Waguinho Vasconcelos (bateria). Tem uma faixa em trio e as outras são todas em quarteto, com duas baterias. Aguarde novidades a respeito.

Acabei de gravar um DVD com o Thiago Alves (baixo) e o Serginho Machado (bateria). São 05 músicas, duas delas inéditas – uma delas do Thiago Alves. Também acabei de gravar o disco do baixista Bruno Migotto, chama-se “In Set”; é um septeto, com composições e arranjos do Bruno.

Estou gravando um DVD do Glécio Nascimento, baixista de Santos, com o Nenê na bateria – faltam umas duas ou três músicas pra concluir. Também estou gravando o novo disco do Arismar do Espírito Santo, no qual ele toca bateria. É um disco no formato trio: Arismar, eu e o Thiago Espírito Santo.

Todas as quintas-feiras, às 19h30min, tem o Programa Michel Leme & Convidados na TV Cia da Música também – desde novembro de 2007.
Além disso, estou tocando por aí, onde ainda é possível tocar com dignidade e respeito à música. É só dar uma olhada no meu site pra saber do que está rolando: http://www.michelleme.com/

-- A música instrumental, seja o jazz, a bossa nova, ou outra vertente, impõe uma série de dificuldades aos músicos que almejam chegar a um bom patamar nesses estilos. Você acredita que para adquirir uma boa caligrafia sonora, o músico deve subverter regras?

Quais são as regras? Quem as dita? São alguns músicos cheios de preconceitos e mazelas psicológicas ou é o sistema de ensino que tem, em sua grande maioria, pessoas que não tocam e apenas arrotam “verdades de terceira mão”?
O músico deve tocar. Gosto muito da frase do Igor Stravinsky que está no livro “Poética Músical em 06 Lições”: “O músico tem uma obrigação em relação à música, que é inventá-la”
O resto é conversa...

-- Dos ermos lugares que você já tocou, quais deles mais lhe tocaram?

Não me lembro dos lugares ermos, Caio. Mas o que me marca são os momentos, as situações musicais. Não destaco nenhum em especial, tudo é um aprendizado. Acredito que quanto mais o músico estiver disposto a tocar o que a música manda, mais e mais momentos desses farão parte do seu ser.

-- Das peculiaridades de seu som, as principais em minha maneira de ver, são suas citações de outras músicas e temas que você faz nos seus solos e improvisações. Isso é pensado antes do solo, ou é à maneira do chefe (a inspiração do momento) ?

Como você diz, as citações são coisas você achou peculiares no meu som. Mas outras pessoas sentem outras coisas como sendo únicas.
A mim cabe agradecer pelo fato de você ouvir o som e, também, agradecer à oportunidade que temos de poder ouvir alguém por diversas vezes e perceber elementos novos a cada vez.
Sinto que o que percebemos na música tem a ver com nosso estado evolutivo. Tem discos que ouço por repetidas vezes, em diversas épocas e é sempre uma descoberta.
Sobre o que você me pergunta sobre as citações, se são “pensadas antes” ou se são “inspirações do momento”, lanço uma tarefa (que espero ser agradável): vá ouvir-nos ao vivo! Assim você vai ter a experiência direta e poderá perceber nitidamente se o que se toca é honesto (inspirado, fruto da intuição) ou não (pré-estudado, premeditado).

-- Como você sentiu a transição de estilos de som na sua vida?

Para mim, música é uma coisa só. As linguagens variam, mas o sentimento da verdade é o mesmo em qualquer época e lugar. Sempre busco o que é mais verdadeiro para mim, sem medo de ser rotulado como isso ou aquilo.

-- A guitarra é um instrumento com amplas possibilidades em termos de timbre, o que permite que ela transite em muitos estilos. Há alguma limitação no instrumento que o incomode?

Há a minha limitação. Só que ela não me incomoda; ela me ensina, me alerta. Vivo ouvindo minhas gravações, acho uma boa prática para perceber o que deve ser melhorado.
E quanto mais ouço o que está acontecendo no momento, mais faço parte da música.

-- Defina a música em uma palavra ou em uma nota musical...

Divina.

-- Para fechar, o que você acha que falta para haver um maior reconhecimento e divulgação de sua música e da música instrumental brasileira em geral, no exterior e no Brasil?

Não busco o reconhecimento. Busco apenas tocar música, servindo-a. Tocar é o principal, o resto vem.
Sinto que a própria música é a recompensa maior.
As pessoas buscam coisas diferentes na arte. Alguns buscam a aprovação dos pais ou, em conseqüência, a aprovação da sociedade. Outros buscam o dinheiro, o poder, a fama - talvez para compensar infâncias difíceis. Alguns poucos buscam o autoconhecimento, o divino.

Para descobrir um pouco mais do som de Michel e um vídeo que é um achado, vejam:

http://www.youtube.com/watch?v=H8F6HMcq-9k - Um Dois Trio-Michel Leme,Thiago Espírito Santo,Cuca Teixeira no Jô.

http://blog.michelleme.com/

http://www.michelleme.com

Lupa Santiago – Fraseando o Jazz sem premeditação

2009-11-03T06:59:00.000-08:00

Conheci pela primeira vez a música de Lupa Santiago há uns anos atrás em uma gig no Teta Jazz Bar em São Paulo. Dono de uma característica ímpar na guitarra da música instrumental feita aqui no Brasil, ele se destaca pelo constante espaço de criação contínua que se desenha nos seus temas, fraseados e improvisações, que sempre estão amalgamados em todos compassos de suas composições.

Lupa Santiago fez mestrado no Boston Conservatory e Berklee College Of Music (Boston, EUA – 2000), formou-se pela Berklee College Of Music (98) e graduou-se pelo Musicians Institute (GIT/Los Angeles, EUA- 95). É Coordenador Pedagógico e Vice Diretor da Faculdade Souza Lima/SP.

Já tocou com diversos artistas internacionais e nacionais. Entre eles : Jerry Bergonzi, Bill Pierce, Jaleel Shaw, Dave Liebman, Ronan Guilfoyle, Jarmo Savolainen, Markku Ounaskari, Phil De Greg, Howard Levy, Vincent Gardner, Oscar Stagnaro, Gary Willis, Magos Herrera, Phil Wilson, Robert Kaufman, Rick Peckham, Vartan Ovsepian, Daniel D’Alcântara, Bob Wyatt, Nelson Faria, Fernando Corrêa, Sizão Machado, Vinicius Dorin, Edu Ribeiro, Banda Mantiqueira, Rogério Bocato, Nenê.

Destaque para o trabalho com a banda Sinequanon e seu último cd com eles, que se chama Horizonte Artificial.

Eis aqui a primeira entrevista realizada com um guitarrista nesse espaço do Música Contemporânea. Entrevista realizada por mim, com a colaboração de Marcelo Montes:

- Quais são seus atuais projetos?

Acabei de lançar dois novos livros pela editora Souza Lima no Brasil e pela Advance Music internacionalmente: Livro Novo Dicionário de Acordes Para Guitarra e Violão / Livro Play Along Música Brasileira em métricas Ímpares.
Também lancei o CD Novas Regras com meu grupo Regra de Três, e tocando bastante (Regra de Três: Lupa Santiago, Sizão Machado & Bob Wyatt).
Estou também tocando com meu outro grupo, Sinequanon (Lupa Santiago, Vitor Alcântara, Carlos Ezequiel & Guto Brambilla).

-- O que você mais gosta de fazer na música? Criar, compor o tema, acompanhar, improvisar?

Acho que o estilo de música que toco e os músicos com quem toco, tudo fica bom, e tudo se confunde: improviso acompanhamento, composição, tudo é criação. Procuro manter os dois lados vivos, ativos e renovados: compositor e guitarrista (improvisador) estudando ambos constantemente.

-- Como você acha que será a raiz do Jazz em um futuro daqui a cem anos? Algo do que já está sendo realizado? Ou algo totalmente diferente?

Sempre algo diferente. O jazz se renovou a cada 10 anos no ultimo século com estilos novos sempre: Dixie, Swing, Be Bop, Hard Bop, Cool Jazz, Free, Fusion, Moderno, e deve continuar assim. Renovar é o pressuposto do Jazz, a condição!!!
Cada novo estilo de jazz sempre traz na bagagem parte da tradição, a herança, o DNA, mas é um novo ser independente.
Os grupos de hoje são artisticamente importantíssimos e riquíssimos, não só no Jazz Americano, mas no brasileiro e no europeu, nunca se produziu tanta novidade!!

-- Como você encara a música hoje em sua vida? Como instrumento de trabalho que às vezes dá prazer ou um prazer que às vezes dá trabalho de mais?

Nem penso mais nisso, é minha vida e pronto, dá um trabalhão, mas tudo em que você se dedica e quer resultados requer um “trabalhão”. É dedicação quase que integral, mas é um prazer muito grande tocar, compor, ensinar e ouvir.

-- Qual é um sonho que você almeja na música que ainda não foi realizado?

Continuar tocando e gravando com grandes músicos, continuar compondo sempre e aumentar meus estudos.

-- Como foi sua trajetória como músico? O interesse pelo jazz foi sempre presente ou houve outras fases?

Comecei tocando rock. Foi no final da adolescência que comecei a me interessar por fusion, e na faculdade decidi me aprofundar no Jazz. Foi tudo natural, não premeditei nada.
Sempre tive grupos, é a maneira mais rápida de se desenvolver, vejo hoje as pessoas arrumando empecilhos para ensaiar e tocar ao vivo... Isso é uma grande besteira, quanto mais você tocar, melhor!!!!

-- Você é muito eloquente na linguagem do bebop. De onde vem isso?

Estudo muito este estilo, assim como todos os outros do Jazz, talvez este soe mais natural na minha linguagem. Eu transcrevo bastante coisa, de diferentes estilos e instrumentistas. Da época do Bebop ouço direto: Charlie Parker e Bud Powell, e Wes Montgomery, que considero passagem entre Be Bop e Hard Bop.
Mas também ouço Jazz Moderno: Dave Douglas, Dave Holland, Adam Rogers, Tim Berne, Bill Frisell. E muito Free: Paul Bley, Ornette Coleman e Don Cherry.

Links de vídeo e site:

http://www.youtube.com/watch?v=LJCVOlYVCtA – música Palavra Certa com Sinequanon no estúdio

http://www.youtube.com/watch?v=MyEzrQqc9BA – com o grupo MC4 no Sesc Instrumental Brasil

http://www.lupasantiago.com

Twitter

2009-11-03T06:56:00.000-08:00

Olá, queria convidar aos leitores que tem ou não twitter a entrarem no meu espaço lá no twitter, que tem novidades sobre o Música Contemporânea e outros blogs que mantenho.

http://twitter.com/caiogranello/

Ainda além, quem se interessar a entrar em um dos meus outros blogs que tem um pequeno artigo que escrevi sobre Música e Senso Estético na Modernidade.

http://psiqueativa.blogspot.com/2009/11/musica-e-senso-estetico-na-modernidade.html

Abrs!

Muse- do Clássico ao Rock

2009-10-01T12:29:00.000-07:00

O novo álbum do Muse (The Resistance) fez muitos críticos torcerem o nariz, e outros apreciarem a nova obra dos caras. O álbum veio recheado de músicas com orquestra, inclusive três delas (uma dividida em três partes – Exogenesis) somente a sinfonia instrumental. Não diria que é uma inovação esse tipo de mistura, mas eles conseguiram realizar a tarefa com propriedade. Para quem quiser conferir algo do novo trabalho, veja uma das músicas no programa Later With Jools Holland.

http://www.youtube.com/watch?v=tLfxpolWDp8 - United States of Eurasia - Muse

Frederico Heliodoro – Engenho Mineiro no Baixo

2009-09-26T16:20:00.000-07:00

Frederico Heliodoro, contrabaixista, guitarrista, compositor, produtor e arranjador. Foi um dos vencedores do prêmio BDMG Instrumental de 2009.
Mais um excelente músico brasileiro que desponta com destaque, e que passou esse mês com sua banda pelo Sesc Instrumental Brasil.
Com os holofotes ligados nele e seu grupo, a poeira levantou e o verbo rítmico e melódico se soltou com energia, acertando os ponteiros do batimento dos metrônomos audi-emotivos dos ouvintes presentes.
A onipresença do som dos membros de sua banda legitimaram um grande som apresentado no palco.
Para degustação, segue link de vídeos e site de Frederico, e entrevista logo abaixo:

http://www.youtube.com/watch?v=-vRy2B8nfBc&feature=player_profilepage – Sesc Instrumental

http://www.myspace.com/fredericoheliodoro

--Quais projetos ao vivo ou em gravação você está envolvido no momento?

Bom, no momento, estou envolvido com o projeto do compositor Affonsinho, meu pai, que está lançando seu quinto disco pela gravadora Dubas, do Ronaldo Bastos. Eu gravei todos os baixos desse disco e co-produzi também. Faço parte do grupo Ramo, que também está lançando um cd agora, através do Projeto Pixinguinha. Gravamos em janeiro de 2009 com a produção do Benjamim Taubkin e estamos fazendo os shows de lançamento. Gravei o disco da cantora Beatriz Rodarte que será lançado em novembro e gravei 3 faixas do disco do compositor Antônio Loureiro, que está muito bom!! rsrsrs... Estou correndo atrás de coisas para o meu trabalho solo, com o qual me apresento com um quarteto: baixo, piano, sax e bateria. Gravei o meu disco em um fim de semana em setembro e agora estou aguardando para começar a mixar.

--Como você definiria a música que você faz? Teria uma influência fusion com música brasileira?

Acho que a música que eu faço é o reflexo de tudo o que eu já ouvi até agora. Jimi Hendrix, B.B.King, Mutantes, Beatles, Tom Jobim, João Gilberto, Moacir Santos, Ed Motta, Hermeto, Bojan Z, Joshua Redman, Chick Corea, Wayne Shorter etc. Eu, particularmente, não considero "fusion". Essa palavra me lembra coisas que eu não gosto tanto. Apesar de significar "fusão", acho que minhas músicas têm um pouco de influência brasileira, como o samba e o maracatu, mas a base é o groove e o jazz mesmo.

-- Você gosta de tocar outros estilos, como o rock, por exemplo?

Eu comecei tocando rock'n roll. Sempre gostei e acho fundamental pra qualquer músico ter uma experiência no rock. Assim como o blues e o funk. Pra mim, como baixista, isso foi de grande importância. A performance no palco, a "economia" quando eu toco acompanhando alguém e o fraseado da pentatônica. Essa influência, claro, aconteceu graças ao meu pai.

--O que você destacaria na cena instrumental de Belo Horizonte como pontos positivos em relação a outras cidades, como São Paulo?

Não sei como responder essa pergunta. Em Belo Horizonte sempre aparece um lugar novo pra tocar, e aí todo mundo vai tocar lá. E depois o lugar fecha, ou vizinho manda a polícia. É sempre assim. Não sei como é em São Paulo, porque até agora só toquei em teatro. E tem o lance da cultura do couvert artístico. Infelizmente muita gente ainda se submete a isso. O bar quer que você toque e leve o público. E se não for ninguém, a culpa é do músico que ainda sai ganhando mal. A responsabilidade de o lugar encher é do bar. A nossa responsabilidade é tocar.

--Que música tu gosta, mas tem vergonha de contar?

Não tenho vergonha de contar. Se eu escuto uma música e ela é boa pra mim, isso já vale. Justin Timberlake, por exemplo. Eu acho muito legal. Falo pra todo mundo. O som que ele faz não é menor porque ele cantava no N-Sync há sei lá quantos anos atrás. O show do cara é groove, mega produção! Do nada aparece um Rhodes no palco e o cara vai lá e toca bem!

--Muitos baixistas costumam explorar a natureza melódica de seu instrumento. Como você pensa as melodias de suas composições?

Eu componho mais no piano e no violão. E vou cantando as melodias, imaginando elas para o sax ou para o piano. As músicas vêm naturalmente. Não acho legal compor pensando em não usar clichês ou coisa do tipo. Esse tipo de processo cria um resultado redundante e não inovador, NA MINHA HUMILDE OPINIÃO, porque vários "alunos" pensam a mesma coisa e fica tudo meio parecido. É engraçado até. Mas as minhas músicas eu vou fazendo sem pensar, se surgir alguma coisa legal, ótimo. Se não, tá bom também. Música simples é legal.

--Qual o peso do background de cada músico e da prática em grupo no processo de amadurecimento de novos projetos e de um show como o do Sesc Instrumental? Qual o tempo dedicado a cada fase?

É muito importante, para o seu trabalho, escolher músicos que vão tocar o que você quer ouvir. Para isso acontecer, tem que ter uma certa compatibilidade de influências. Eu formei um quinteto, que pra mim, funcionou muito bem no Sesc. No momento eu reduzi a formação pra quarteto porque eu acho que a simplicidade aumenta a capacidade de criação em cima de cada tema. E o som que eu estou curtindo no momento é esse. Para o show do Sesc a gente começou a ensaiar um mês antes. Devemos ter feito uns 5 ensaios. Gravando os ensaios e ouvindo, pra reparar o que podia melhorar etc. Para a gravação do cd do Ramo, ensaiamos 2 meses, tipo 3 vezes por semana. Nesse caso, quanto mais ensaio, melhor, por causa dos arranjos e tudo o mais. É muito importante tocar junto, um ouvindo o outro, conhecendo a maneira de tocar de cada um que está no som.

Vitor Cabral - Sensibilidade e Arrojo

2009-08-28T05:35:00.000-07:00

25 de agosto de 2009, terça-feira chuvosa em São Paulo, mas dentro do Auditório do Sesc o que se viu passar durante a apresentação de Roberto Sion e banda no Instrumental Sesc Brasil foi algo quente e revigorante para qualquer humano. Uma grata surpresa foi poder ver e ouvir Vitor Cabral, baterista da banda, junto também ao grande baixista Sidiel Vieira e o consagrado guitarrista Hélio Delmiro.

A banda apresentou famosos temas brazoocas e de jazz, e composições próprias de Roberto Sion. Sion mostrou uma musicalidade absurda em suas improvisações e melodias. Sou suspeito para falar, pois sou baterista, mas um dos principais destaques da noite foi o batera Vitor Cabral com a sua alta perfomance, gosto pela música, comunicação com os músicos e sensibilidade apuradíssima.

Algo que poucos músicos realmente sabem fazer bem, Vitor o faz com propriedade, que é usar todo o seu vocabulário musical a serviço da música, isto é, ele consegue servir a música do conjunto e ao mesmo tempo utilizar seu extenso vocabulário sempre tocando a 100 Km/h, com 100% de uso de sua dimensão musical total.
Foi com ele que se seguiu essa entrevista a seguir:

-- Vitor, gostaria que você me contasse um pouco da sua trajetória e formação musical.

Bem, inicialmente eu comecei meus estudos no piano, quando tinha 8 anos de idade. Entre idas e vindas, troquei pela bateria aos 13, quando comecei a tocar na igreja, já que venho de uma família cristã-protestante. Isso foi, no começo, a minha "escola", e sou muito grato por ter tido essa oportunidade, pois além de ser uma forma bastante didática de começar, é possível se criar um relacionamento com a música um pouco diferente dos demais. Nesta mesma idade, ingressei na Fundação das Artes de São Caetano, uma escola bem conhecida no ABC, mas que eu pouco estudei o instrumento de fato, acho que 1 ano somente, perto do final do curso, mas aprendi muito das matérias consideradas "teóricas" lá, como percepção, apreciação, conceitos básicos de harmonia, contraponto e assim por diante, além de ter contato com outros músicos e ser apresentado à música sob uma outra perspectiva. A partir disso eu fui me lapidando musicalmente, procurando ouvir os mais velhos, mesmo que nem sempre o espírito jovial me permitisse. Tive um recesso musical de alguns anos na minha adolescência por questões financeiras e pessoais, e acabei voltando definitivamente há 2...3 anos, quando ingressei no grupo do trombonista Bocato. De lá prá cá voltei a estudar e agora também a trabalhar somente com música.

- O que você acha que mais contribuiu para sua expressividade e sensibilidade na execução das músicas e comunicação com os músicos no palco?

Sobre a expressividade e sensibilidade, é um pouco difícil "nomear" essas influências, acredito estar no início do processo, no entanto, particularmente posso dizer que o estudo de piano foi um fator fundamental para compreender melhor o contexto e aprender a partir daí a me colocar na música. O exercício de ouvir os grandes músicos e outras opiniões à respeito da música, vai formando um "repertório de idéias", solidificando sua personalidade com o passar dos anos. Agora, sobre a comunicação no palco, acredito, plenamente em como, humanamente, você se relaciona com o outro. Eu entendo o "tocar junto" como uma espécie de comunhão, confraternização e, sendo assim, valorizo muito o relacionamento para além da música que procuro ter com quem toco. Mas confesso que nem sempre toco com pessoas que compartilham desse mesmo espírito.

- Quais são novos nomes da música que você indicaria para ouvir?

De bateristas: Brian Blade, Jamire Willians, Chris Dave, e um brazuca que gosto bastante, Daniel de Paula. Outros: Robert Glasper, Meshell Ndegeocello, Kudu, Kenny Werner, Overtone Quartet, David Binney, Mente Clara e o grupo do baixista Marcos Paiva, chamado MP6 que está fazendo um trabalho de resgate e desenvolvimento do samba-jazz muito bom!

- Antes de se apresentar, como você procura se inspirar? Sente a necessidade de ouvir alguma música em especial, ou apenas ouvir música? Ou você pode passar um dia inteiro sem nem ouvir ou tocar uma nota sequer e entrar no palco e estar disposto e inspirado?

Eu entendo que a idéia é a música ser tão presente na sua vida e sua vida tão presente na música que já não se faz uma distinção cartesiana da coisa e isso não é um fanatismo, muito pelo contrário. Poucos músicos conseguiram essa Sabedoria e é neles que me inspiro em minha Caminhada. Sendo assim, procuro sempre estar ouvindo, estudando o instrumento e lendo sobre o que diz respeito não só ao universo musical, mas aos valores mais profundos da vida. Agora, sendo mais específico, antes das apresentações se ouço algo, procuro ouvir o que esteja na idéia estética do que eu vou tocar para que eu possa me manter concentrado na linguagem.

- Dos lugares em que você já tenha tocado, qual mais te tocou?

Sem dúvida nenhuma: " o meu quarto! ", hehehe! Lá tem se dado muito do meu processo.

- Em duas palavras, o que é música para você?

Imanência e Transcendência.

Vídeos c/ Vitor Cabral:

http://www.youtube.com/watch?v=uhG41a729R0&feature=player_profilepage - c/ Sidiel Vieira- só batera e baixo

http://www.youtube.com/watch?v=FZFfVHoo1DE - c/ Ricardo Castellanos - Heart

http://www.youtube.com/watch?v=e70wPF9gfCs - c/ Ed Motta

InTrio - Composição em Projeção

2009-08-07T21:03:00.000-07:00

Basta uma pequena "olhada" sobre os sons do grupo InTrio para se perceber a ressonância magnética de suas composições. Se delineia sobre o simples imponente trio, uma junção de sonoridade jazzística que pouco se vê no meio instrumental brasileiro. Neste primeiro cd do grupo , intitulado "Sábado de Manhã" (nome vindo dos "escassos" sábados de ensaio), a banda apresenta 11 composições autorais, assinadas pelo guitarrista Rafael Said e pelo baixista Bruno Barbosa.

Segundo o site do grupo: "O grupo InTrio se reuniu no início de 2008 em Ribeirão Preto, e é formado por Rafael Said, Bruno Barbosa e Pedro Fillipe. A sonoridade do grupo é marcada por uma fusão de vários segmentos do Jazz, tanto tradicional quanto moderno, não descartando também influências vindas do Funk e da Música Brasileira."

Vale destacar a bela composição "Sábado de Manhã" , que leva o nome do álbum.

http://www.youtube.com/watch?v=rNvvp5WCyZ0&feature=channel_page – Sábado de Manhã

http://www.myspace.com/grupointrio

Ari Hoenig - Convenção, Precisão, Improvisação

2009-07-29T09:26:00.000-07:00

Apesar de suas constantes caretas ao improvisar, Ari Hoenig é extremamente efusivo ao tocar sua bateria. Executa com notoriedade convenções muito bem trabalhadas. Um bom exemplo disso é o trabalho com o Kenny Werner, no Kenny Werner Trio. Já acompanhou além dele, uma grande classe de músicos, entre eles : Jean Michel Pilc Trio, Chris Potter Underground, Kurt Rosenwinkel Group, Joshua Redman Elastic band, Jazz Mandolin Project , Wayne Krantz, Mike Stern, Richard Bona, Pat Martino, Dave Leibman.

Vale a pena conferir:

http://www.youtube.com/watch?v=AMB4YmHdD60 - The Kenny Werner Trio

http://www.drummerworld.com/Videos/Arihoenignewyork1.html -
Ari Hoenig - Jean-Michel Pilc - Jacques Schwarz-Bart - Matt Penman

Marcos Paiva – Samba no Prato

2009-06-11T10:58:00.000-07:00

Música brasileira de primeira qualidade. Essa é a primeira e contínua impressão ao se ouvir as músicas do projeto intitulado “Meu Samba no Prato”, realizado e idealizado pelo baixista, compositor, arranjador e produtor, Marcos Paiva.
É raro um músico ao conceber um álbum, ou que tenha como grande influência um instrumentista de outra especialidade. Foi o caso de Marcos Paiva, baixista que homenageou o baterista Edison Machado através deste projeto de show e futuro álbum.

Abaixo, alguns tons da conversa com o contrabaixista, onde Marcos Paiva fala um pouco sobre sua relação com a música de Edison Machado e o projeto-homenagem do cd :

Vou começar falando de um álbum muito importante para a música brasileira. “Edison Machado é Samba Novo” que para mim continua sendo o álbum de maior referência da discografia instrumental brasileira e um álbum que reúne importantes músicos como o maestro Moacir Santos, o arranjador e clarinetista Paulo Moura, J.T Meirelles que também é um grande arranjador e formador da linguagem do “sambajazz”, o fabuloso trombonista Raul de Souza além de Maciel (trombone de vara), Pedro Paulo (trompete), Tenorio Junior (virtuoso pianista que sumiu na Argentina na época dos golpes militares) e o grande Tião Neto (baixista “referência” da bossa nova e que depois tocou por muitos anos com Tom Jobim). Além de uma energia incrível e de solos (embora curtos) memoráveis, este disco tem arranjos muito inspirados e ao mesmo tempo pensados exatamente pra o líder do grupo. O grupo soa muito unido, muito junto. Respirando e pulsando no mesmo tom.

Edison ficou conhecido aqui no Brasil e até hoje é sua maior, digamos, qualidade, o fato de “ter inventado” a batida de samba utilizando o prato. O que pra nós hoje é lógico, na década de 60 (talvez final de 50) ainda não era. E o fato de ele ter começado a conduzir o samba no prato e não nos tambores (alguns chamavam de cruzadão, imitando a percussão como se era usado), criou uma nova perspectiva sonora que mudou para sempre a forma de se conduzir na bateria. Confesso que isto, que para a maioria das pessoas é o mais importante nele, para mim é só um pequeno pedaço desse grande músico.

Numa época em que baterista era um “quase não músico”, ou apenas o ritmista do grupo, Edison teve uma capacidade única (e artistica) de liderança ao lançar seus próprios trabalhos solos. Ao liderar seus grupos, criou uma forma de tocar com tanta energia e personalidade que até hoje é difícil de ver alguém superá-lo. Não é tocar rápido e não passa pela técnica, passa ao meu ver pela capacidade que poucos músicos conseguem obter na sua trajetória musical, a personalidade. Quando você ouve um disco, basta 5 compassos para saber se é ele tocando ou não. E isso é muito, muito difícil de se conseguir.

A idéia de fazer esse Tributo veio de muitas conversas com amigos e músicos. Sempre reclamei que no Brasil, a linha evolutiva na música instrumental sempre foi quebrada. Começava um negócio legal, e daí parava e começava outro com novos outros músicos que negavam o que estava rolando e partiam para algo totalmente novo (ou em 99% influenciados por algo de fora). Não tenho nenhum preconceito com influências externas seja de onde vier, mas a mim me incomodava e incomoda o fato da falta de continuidade, de negação. Sempre vi em vários países e principalmente nos EUA os tributos e aí pensei, por que não fazer um?? Quando fechei a idéia de fazer um tributo na linha evolutiva do que eu já estava fazendo, pensei na minha maior referência (neste disco, do Edison) e na obra do maestro Moacir Santos. Como este disco também tinha o Moacir e tantos músicos de referência, falei “vou fazer pra ele”.

Daí, veio a segunda questão. Como homenagear e não tocar como eles? Com o tempo amadureci a idéia e inspirei as minhas composições nas músicas do disco. Cada música que criei está completamente ligada à uma música no disco mas sob minha perspectiva sonora. Está sendo ao meu ver, uma forma de também contribuir para a divulgação deste disco nos nossos dias. O baterista do meu grupo, Daniel de Paula, eu o considero o “Edison Machado” dos dias de hoje (rsrs), não pelo fato de ele tocar parecido com o Edison mas pelo fato de ele ter tanta personalidade que ou você ama ou odeia. (O Edison era exatamente assim, muitos amavam e muitos odiavam). Depois chamei os outros amigos que gravaram o meu primeiro (Cassio Ferreira- sax alto, Jorginho Neto- trombone, Edinho Santanna- piano) e só mudei o trompetista, trocando o Rubinho Antunes pelo Daniel Dalcantara que é um músico totalmente inspirado no sambajazz.

Caio, para fechar pois este assunto que daria ainda muito pano pra manga, para mim o que mais me inpressiona nele é sua personalidade, capacidade de liderança e sonoridade (arranjos e energia pura).

Músicas do projeto e sites:
http://www.marcospaiva.com/epk/sambanoprato/
http://www.marcospaiva.com
http://www.myspace.com/marcospaiva

Para informações e downloads de Edison Machado:

http://edisonmachado.blogspot.com/

Abrs!

Entrevista - Carlos Ezequiel - Alta Voltagem Rítmica

2009-06-07T10:37:00.000-07:00

Carlos Ezequiel, baterista, compositor, e professor da Faculdade Souza Lima, impressiona com sua banda Sinequanon, imprimindo junto ao seu grupo, complexidade, improvisações coletivas e polirritmias. Já foi indicado ao Latin Grammy pelo cd Images e participou de festivais como o Montreux Jazz Festival, entre outros.

Sua bateria berra notas compassadas num belo caos elaborado e sincopado. A ardência da conjunção entre os membros da banda ao vivo é plena.

Destaque para os cds Telescópio do grupo Sinequanon e seu cd Images junto à Lupa Santiago.

Veja a seguir entrevista realizada esta semana com o batera:

- Quais são seus principais projetos musicais em atividade e suas próximas empreitadas?

Um dos novos projetos a que estou me dedicando é o lançamento do meu livro "Interpretação Melódica para Bateria". Ele foi lançado aqui no Brasil pela Editora Souza Lima, e também está saindo na Europa, E.U.A. e Japão pela editora alemã Advance Music, o que provavelmente fará com que eu vá à Europa em breve pra divulgá-lo por lá. Além disso, há um monte de coisas acontecendo com os grupos com quem trabalho: o Sinequanon está começando a compor músicas para um novo cd, o MC4+ entra em estúdio esse ano pra gravar o segundo cd, e o SVCD e o Luís Fernando 4teto seguem de vento em popa fazendo shows por SP. O Sinequanon e o MC4+ também devem ter uma turnê pela América do Sul ainda no segundo semestre desse ano. Também tenho uma turnê e uma gravação de um cd programada para setembro, em um projeto do guitarrista baiano Jurandir Santana junto com o saxofonista americano Seamus Blake.

-Carlos, nas suas viagens a exterior, o que você recorda de significativo em termos de diferenças e semelhanças da apreciação da música brasileira, em relação à costumeira recepção e apreciação da música aqui no Brasil?

O que me chama a atenção quando vou tocar em outros países é como, tanto na Europa quanto na América do Sul, há mais integração. Os músicos da Europa viajam muito para tocar com gente diferente, se interessam por outras culturas. Nos outros países da América do Sul também há muito intercâmbio - músicos da Argentina, do Chile e do Uruguai, por exemplo, participam de muitos projetos em comum. O Brasil tem uma posição um pouco mais distante, não apenas do ponto de vista geográfico, mas também por termos uma tradição musical muito forte. Justamente por causa dessa tradição musical forte, eu percebo mais resistência para se aceitar uma música experimental, de vanguarda. A meu ver, termos uma tradição forte deveria ser um motivo para nos estimular a trocar mais experiências com outros músicos e outras culturas. Afinal, é sempre ao aceitar inovações que se criam novas tradições.

-Você acha que a música instrumental (considerando sua complexidade harmônica, rítmica, etc) é uma música inteligível somente para pessoas versadas em teorias e aprendizados musicais, ou você vê uma admiração por parte de pessoas leigas também?

Essa é uma discussão que não fica apenas no campo da música, mas da arte em geral. Há sempre esse questionamento, se a arte pode ser apreciada por leigos. Claro que eu acredito que sim! A arte é subjetiva, e a subjetividade é um processo humano, por isso a arte pode ser apreciada por todos! O que acontece é que música instrumental é uma música subjetiva, de grande comprometimento artístico, e me parece que a sociedade atual supervaloriza a objetividade, assim a arte passa a ser vista como algo que não se pode compreender. Música não é pra se compreender, é pra se sentir, como diria o Hermeto Pascoal.

-Quais os principais nomes da música estrangeira hoje para você?

Essa é uma pergunta difícil. O mundo é grande, há muita gente legal fazendo música fascinante ao mesmo tempo... Mas dá pra citar alguns artistas que tem tido uma produção consistente nos últimos anos: o baixista Dave Holland faz um trabalho maravilhoso com o seu grupo Dave Holland Quintet; o saxofonista Chris Potter tem desenvolvido uma impressionante carreira, produzindo 2 a 3 cds por ano em formações e estilos bastante diversos; o baterista Brian Blade lidera o Brian Blade Fellowship, com lindíssimas composições e interpretações primorosas; o saxofonista Wayne Shorter continua fazendo a música mais sofisticada do momento com o seu quarteto; e o guitarrista Bill Frisell também faz um som que me fascina imensamente.

Para conferir sons, vídeos e mais informações de Carlos Ezequiel, visite:

http://www.youtube.com/watch?v=s31y8FDuvXY - Música : Sol Nascente
http://www.carlosezequiel.com/
http://www.myspace.com/ezequielcarlos

Marco Minnemann - Cinematográfico

2009-05-31T15:51:00.000-07:00

Quem já viu alguma performance de Marco Minnemann ao vivo saberá do que estou falando. Há alguns anos atrás tive o privilégio de acompanhá-lo em um workshop ao vivo. Foi um modo totalmente não convencional de se conhecer um artista de tamanho gabarito. Sabem aquelas coisas que só estando lá para ver e saber o que é ? Era isso... Era uma tarde dentro de um auditório com som impecável em São Paulo... Num dia de uma apresentação de vários bateristas de renome nacional e internacional em um festival como aquele, ele surgiu em meio ao palco antes dos bateras serem apresentados. Por não conhecê-lo de antemão, pensei no mesmo momento que ele fosse apenas um roadie ou ajudante de palco ali ajudando o pessoal a organizar a coisa toda. Nunca o taxaria de músico ou baterista. Mera imagem enganadora... Bastou ele subir ao palco para o início de sua apresentação (A primeira da tarde) para chocar o público presente. O cara era um monstro, inabaladamente versátil. Depois de tantos anos, relembro isso aqui porque por ter sido algo inesquecível, por seu modo original de tocar e atuar, em suas composições, levadas e malabarismos (não gratuitos), com um amor ao instrumento e à música levados ao extremo.

Destaque para os CDs Broken Orange , Mieze e o DVD Extreme Drumming.

Vídeos dele:

http://www.drummerworld.com/Videos/marcominnemannstreets.html

site:

http://marcominnemann.com

Entrevista - Rodrigo Digão Braz - Brasilidade

2009-05-24T14:00:00.000-07:00

Rodrigo Digão é baterista e percussionista, e já tocou com nomes como Renato Consorte, Ai Yazaki (pianista Japonesa), Michel Leme, Fernando Corrêa e Grupo Mente Clara, além do projeto "Rodrigo Digão Convida" que contou com nomes como André Marques (Hermeto Pascoal, trio Curupira) Fábio Leal, César Roversi, Franco Lorenzon (esses últimos do Mente Clara) Miche Leme e João Paulo Barbosa.

Digão tem uma forma peculiar de tocar que deixa até os ouvidos menos treinados, atentos ao acompanharem ele em suas perícias de interpretação. Suas improvisações e levadas tem um jeito leve, quase com um descompromisso, tocando com sutileza e quase ternura as peles de sua bateria.

Vamos à entrevista:

-Digão, gosto muito da liberdade intuitiva na qual você improvisa. Pode-se dizer que é uma improvisação que procura se libertar de algumas amarras rítmicas? Dá pra explicar isso de forma racional ou de forma metódico-teórica? De onde vem essa inspiração na hora de solar?

Sobre a improvisação, podemos classificar a mesma em duas etapas: "Improvisação Livre" e "Improvisação dentro do Tema". Nessa primeira espécie, a improvisação livre é aquela em que eu penso em um determinado espaço a ser preenchido e tentando ( ao máximo) chegar a uma "paisagem", "fotografia" para assim exemplificar e fazer o ouvinte entender pela Física sonora a imagem em questão. No segundo caso, a própria música ( tema a ser tocado) nos dá elementos e o que procuro fazer é enfatizar com motivos melódicos, rítmicos e até harmônicos (porque não na bateria) desses elementos. Seja como for, a subjetividade das cores, dos objetos nos traz uma riqueza enorme e transformar isso em música é o nosso desafio. Eu posso explicar música por "n" ciências, e chegaremos às mesmas conclusões de sentidos e características gerais do mundo.

-Nas músicas do grupo Mente Clara há uma profunda influência e conexão com a música de Hermeto Pascoal. De onde vem essa paixão do grupo? Quais outras influências você acha tão importante quanto, para obter o resultado do som do grupo?

A influência do Hermeto vem como identificação com a cultura brasileira em geral e para o Grupo (claro que me incluo nesse), e externar essas caracteristicas regionais é nossa maior meta! Como não poderia deixar de mencionar como influências, entre muitas, todas as vertentes do Samba, Baião, Xula, Maracatu, Boi, Capoeira, Afoxé, e música improvisada de genêros vários

-Na sua opinião, qual o principal ingrediente para um músico dominar o seu instrumento ? Muito estudo ? Precisão? Um estado relaxado da mente?

"O corpo movimenta quando a cabeça ordena". Essa máxima também acontece quando falamos de música! O total (ou parcial ) domínio do instrumento deve à equivalente compreensão dessa arte que, volto a frisar, é nada mais nada menos que explanações do cotidiano transformadas em uma nova percepção e exemplificadas em timbres, durações, intensidades e tempos.

-Um improvisador é quase um repentista... Qual a sensação de se errar nestes momentos e isso acabar soando correto e musical?

A sua pergunta é auto-suficiente já contendo a resposta: EM MÚSICA NÃO EXISTE ERRO!! A idéia de que algo resultou "errado" faz com que todo o sentido de improvisação caia por terra, premeditando assim natureza-essência dessa arte. As sensações que em determinado momento seria "X", agora passa a ser "Y", obrigando o executante entender tal diferenciação e conseguir dentro do seu universo musical trazer esse novo elemento sem desordenar ou perder a fluência dos elementos outros envolvidos ( O Tempo e suas variantes, as células ritmicas).

-Quais nomes mais te influenciam na música atual (brasileira e mundial) ?

Nomes, pessoas, conceitos que fazem diferenca no meu trabalho (e porque não, no meu cotidiano): Hermeto Pascoal, Dave Holland Group, Miles Davis ( e suas fases), Stravinsky(compositor erudito), Huberto Rohden (filósofo católico brasileiro da decada de 50), grandes cineastas, pintores, coreógrafos, meus amigos de convivência cotidiana, a crise global, etc. "O artista só tem a real percepção de seu ofício quando todas esssas questões integrarem a sua natureza".

Para conferirem vídeos dele e sua banda, é só visitarem os links:

Programa Rodrigo Digão Concepção Rítmica! No ar todas as Quartas, as 16:00 no www.tvciadamusica.com.br

www.myspace.com/rodrigodigaobraz

www.youtube.com/rodrigodigaobraz

www.grupomenteclara.com

Abrs!

Transatlantic - Clássico

2009-05-03T10:05:00.001-07:00

Transatlantic está de volta! Os caras irão gravar o seu mais novo cd depois de um hiato de 8 anos. A banda de rock progressivo surgiu como um projeto paralelo de membros de bandas como Dream Theater ( Mr. Mike Portnoy), Marillion (Pete Trewavas), The Flower Kings (Roine Stolt), e Spock’s Beard (Neal Morse).

A banda lançou dois álbuns sendo o primeiro no ano 2000 uma compilação de influências diversas como Beatles, Pink Floyd e Yes. Mas o disco soa extremamente natural e original, com um frescor que há muito tempo não se via na cena progressiva.

O segundo disco - Bridge Across Forever – lançou-os à novas fronteiras, com um som mais pesado , autêntico, que trazia como principal característica a participação não usual de todos os membros da banda nos vocais das músicas.

O próximo álbum promete, e a minha leve e distinta opinião é que eles foram e ainda podem continuar sendo o mais rico projeto paralelo criado na música, e ainda uma das melhores bandas de progressivo que já existiu, um elixir da música. Se houvessem aparecido ao mundo na ida dos anos 70 ou 80, certamente seriam uma das mais clássicas bandas de todos os tempos, comparada aos mais belos nomes da música já citados aqui no início.

Entrevista com o Contrabaixista Zeli

2009-04-27T14:15:00.000-07:00

Esta é a primeira de uma série de entrevistas informais que realizei com músicos da cena instrumental brasileira, que pretendo ir postando aqui no blog.

Nesta vocês podem conferir a entrevista feita com Zeli, baixista conceituado da noite paulistana e brasileira, que tem como destaque seu segundo álbum solo chamado "Em Movimento", cd que particulariza uma música feita num "movimento" muito bem desenhado, com sutilezas brazoocas com um tempero tremendo de músicos que o acompanham como Vitor Alcantara (sax) e Edu Ribeiro (bateria).

Ao vivo, o destaque são as apresentações em conjunto com a cantora Tatiana Parra.

Além de compositor, arranjador, é professor, e também é integrante do grupo de música instrumental Terra Brasil, desde 1991.

Sem mais delongas, vamos à entrevista:

- Primeiro, eu gostaria de saber quais são suas atividades atuais, você leciona, certo? Quais são seus próximos projetos?

Além de dar aulas na Faculdade Santa Marcelina e na Faam, entre os meus atuais projetos viso finalizar logo o Cd em duo com o Vitor Alcantara, faltando mixar, masterizar e lançar. Tenho também meu trabalho de canções que deve ser registrado em breve e o repertório instrumental com meu quinteto.

- Teve algum momento de sua vida, que você consegue distinguir dos demais, que foi o principal propulsor na escolha da carreira de contrabaixista?

Nao especificamente, foi rolando naturalmente...

- Considerando a música brasileira atual, seja ela instrumental ou não, qual você acha a principal contribuição que a música brasileira dá nos dias de hoje à música mundial em termos de ritmo, harmonia, inovação, e cultura ?

Nossa música é rica nesses três aspectos: Ritmo, melodia e harmonia. Acho que essa mistura equilibrada e a originalidade são nossas grandes contribuições.

- Se você pudesse escolher entre quaisquer músicos, instrumentistas, cantores ou cantoras, da música brasileira atual para compor um "supergrupo", quem deles, dos quais você nunca tocou antes junto, você gostaria de tocar?

André Memhari, Tutti Moreno e Hamilton de Holanda.

- Qual foi o momento mais marcante na sua carreira? Uma composição? Uma gig? Uma improvisação especial?

Vários momentos, não destaco um só... tocar em Paris com a Badi Assad foi bem legal.

- Se uma pessoa tem dor de dente, vai ao dentista, se tem dor de cabeça, vai ao médico. E se ela tem dor na alma, vai ver um músico tocar?

Sim, é uma ótima receita pra se reciclar e se motivar, voltar pra casa e estudar...

Links de vídeo e sites de Zeli:

http://www.myspace.com/zelisilva

http://www.zelibass.com/

Vídeo c/ Fábio Torres no piano e Edu Ribeiro na batera:

http://www.youtube.com/watch?v=NKkCE3MjOHo&feature=PlayList&p=A83A7E6EA338A18B&index=0&playnext=1

Supermousse- Estilo e Criatividade

2009-03-27T05:47:00.000-07:00

Não poderia deixar de postar aqui o projeto do Caio Bauléo, grande amigo, compositor e guitarrista, na qual tive a honra de participar na batera da música Velho Espaço Novo (pré-mix).

"O SUPERMOUSSE nasce de um concentrado de estilos que formaram Caio Bauleo no decorrer de toda a sua carreira como músico. Inspirado por grandes bandas, os elementos em sua musica soam sutilmente sem querer provar nada. A simplicidade e a construção de versos....chicletes mentais.... é uma têndencia definitiva para os novos momentos de vanguarda juvenil. Aliás, Vanguarda é passado. O Supermousse não se restringe a jovens somente e sim a todos que queiram ouvir um bom som para toda hora. Sejam bem vindos ao myspace da banda :"

www.myspace.com/supermousse

Stefano Bollani - Sem palavras

2009-03-10T17:27:00.000-07:00

Não vou falar nada, veja você mesmo...

http://www.myspace.com/stefanobollani

Dafnis Prieto - Latin Music !

2009-03-08T17:14:00.000-07:00

Dafnis Prieto, baterista nascido em Cuba. Excelentes ritmos e timbre impecável, e que produção dos cds...

Vá até o link Listen to Tracks do site e ouça com seus próprios alcances auditivo-musicais:

http://www.dafnisprieto.com/live/

Neste vídeo ele está no festival Modern Drummer que acontece todo ano:

http://www.drummerworld.com/Videos/dafnisprietomd08.html

Contem-me as impressões que vocês tiveram...

Pete Lockett- Música indiana na bateria e percussão

2009-01-31T09:57:00.000-08:00

Pete Lockett, um versátil percussionista, neste vídeo junto aos bateristas Russ Miller e Steve Smith, divulgam um pouco da arte rítmica indiana, acoplada a uma roupagem nova e contemporânea de tocar bateria musicalmente.

http://br.youtube.com/watch?v=S8xamLrR_Wc&eurl=http://www.petelockett.com/2006/pages/Home%202.html

The Feeling- rock com feeling

2009-01-26T15:04:00.000-08:00

Rock britânico com sensibilidade em detalhes de influências de Beatles e Queen.

Destaque para a música Rosé, nesse vídeo gravado Live in Abbey Road:

http://br.youtube.com/watch?v=v-wObUi8N8M&feature=PlayList&p=C17A16D079FF8FED&playnext=1&index=26

André Mehmari - Intuição a serviço da técnica

2009-01-21T16:30:00.000-08:00

André Mehmari, uma aula de improviso e intuição, é um músico que colhe sementes dos mais variados estilos musicais. Ele, nascido em Niterói, e com grande parte de sua vida musical desenvolvida e iniciada em Ribeirão Preto, fundiu em sua carreira vários ingredientes musicais, como o Jazz, Música brasileira e o erudito. Compositor, e excepcional arranjador, tem em sua técnica soberba seu tapete onde se apoia, mas é um pianista daqueles que tem algo mais a mostrar, que consegue expressar através de sua música um chamado mais profundo de alma e vigor musicais que faz com que todos os seus ouvintes tornem-se imediatamente “letrados” em música, por sua capacidade de tocar música de excelente qualidade para proporcionar a qualquer ouvido treinado ou destreinado uma bela degustação.

Nesse vídeo, ele toca uma bela composição de Edu Lobo e Chico Buarque:

http://br.youtube.com/watch?v=KM0oSeAu5V4

Aqui, em forma fantástica com Suíte Clube da Esquina:

http://br.youtube.com/watch?v=LYqlYsZyw38

Johnny Cash : Eternizando

2008-12-26T07:19:00.000-08:00

Música para meditar, música para sonhar e recordar... Essa é Hurt.

Nesse clipe do lendário Johnny Cash, impossível passar sóbrio e não se emocionar assistindo e ouvindo a essa música composta por Trent Reznor. Imagens da vida do cantor associadas à bela voz e interpretação nos dão a imagem do que o clipe e a música querem passar: Transitoriedade, dor e a beleza presentes na vida.

http://www.youtube.com/watch?v=SmVAWKfJ4Go

Esperanza Spalding - Talento e Graça

2008-11-28T14:20:00.000-08:00

Linda, talentosa e carismática. Um veneno bom que alucina as mentes mais sãs. Essa é Esperanza Spalding, uma das atrações que vieram ao Tim Festival deste ano de 2008.
Com arranjos sinceros e trabalhados, uma voz intensa e além de tudo uma contrabaixista competente , com um grupo de igual sinônimo, agradou aos mais “Ezperançosos” corações na noite em que se apresentou. Mas esse show é só a vinheta de uma fonte que desagua vários prazeres agudos ao ouvir e assistir a ela.

Siga um deles:

http://www.myspace.com/esperanzaspalding

Dave Weckl - Reinventando

2008-11-28T06:04:00.000-08:00

Dave Weckl pode ser um baterista renomado no mundo da música instrumental por sua dedicação ao instrumento e precisão, e pelo constante movimento nos seus conhecidos álbuns solo (que indico aqui o disco Synergy, um dos mais interessantes dele) , e pela grande contribuição a um grande companheiro da música -- Chick Corea--, mas uma qualidade inerente a ele e à sua música é sua capacidade de se reinventar ao longo da carreira, trazendo sempre novas configurações ao seu kit de batera, e com novos grupos e estilos musicais, nunca satisfeito com sua demanda e a do público.

Uma gig recente bacana pode ser vista aqui neste link:

http://www.drummerworld.com/Videos/davewecklhipgig.html

Abrs!